Orta əsr Yaponiyada İncəsənət və Mədəniyyət

Orta əsr Yaponiyada İncəsənət və Mədəniyyət


We are searching data for your request:

Forums and discussions:
Manuals and reference books:
Data from registers:
Wait the end of the search in all databases.
Upon completion, a link will appear to access the found materials.

Bu fəaliyyət sinifiniz üçün 30 dəqiqəlik bir vaxta uyğun olaraq hazırlanmışdır və həm onlayn, həm də sinifdə, həm də evdə təhsil üçün uyğundur.

Tələbələr orta əsr Yaponiyanın üç dövrü ilə bağlı üç məqalə (audio formatında da mövcuddur) oxumalı və hər dövr üçün incəsənət və mədəniyyət, memarlıq, töhfə verən amillər və insanlar haqqında məlumatları müqayisə etmək və müqayisə etmək üçün bir masa doldurmalıdırlar.

Bu fəaliyyət, Feodal Yaponiya paketimizdəki İncəsənət və Mədəniyyət dərsinin bir hissəsidir, burada tapa bilərsiniz:

  • Müəllimlərin göstərişləri ilə tam dərs planları (Word və PDF)
  • Çox seçimli viktorina sualları (Excel)
  • Açar sözlər və anlayışlar lüğəti (Excel)
  • Debatlar, təqdimatlar və esselər üçün uyğunlaşdırılmış açıq suallar (Word və PDF)
  • Sizə və şagirdlərinizə mövzu ilə bağlı etibarlı istinadların geniş siyahısını təqdim etmək üçün tövsiyə olunan mənbələr. Bütün media növləri daxildir: videolar, mətnlər, əsas mənbələr, xəritələr, podkastlar, 3D modellər və s. (Word və PDF)

Feodal Yaponiya dərs paketimiz aşağıdakı mövzuları əhatə edir:

  • Hökumət və Müharibə
  • Gündəlik Həyat və Sosial Quruluş
  • Coğrafiyanın əhəmiyyəti
  • İncəsənət və Mədəniyyət

Ehtiyacınız varsa, tələbələrinizə böyük bir esse yazmaq üçün tövsiyələr və ya ızgaraları işarələmək kimi həyatınızı asanlaşdırmaq üçün vasitələr vermək üçün "fırıldaqçı vərəqlərimizə" baxın.

Saytımız qeyri-kommersiya təşkilatıdır. Bu mənbəni faydalı hesab edirsinizsə, daha çox pulsuz material istehsal etməyimizə kömək etmək üçün bağışlayın.


Yapon Klassik Ədəbiyyatı (1868 -ci ilə qədər)

Qalan ən qədim ədəbi əsərlərdir Kojiki (Qədim Məsələlərin Qeydləri, c.712) və Nihon Shoki (Qədim Yaponiya Tarix Kitabı, c.720). Bu tarix və mifologiya əsərləri Yapon xalqının mənşəyindən və dövlətin yaranmasından bəhs edir.

Nihon Shoki demək olar ki, tamamilə Çin dilində yazılsa da, Kojiki yapon dilində Çin hərfləri ilə yazılıb və daha tanışdır. Kimi tanınan böyük antologiya Man'yoshu (On min Yarpaq Kolleksiyası, c.770), imperatordan kəndlilərə qədər, hər təbəqədən olan insanların yazdığı təxminən 4500 şeirdən ibarətdir.

Antologiyada uzun və qısa iki əsas şeir forması var ki, bunlardan da qısa forması və ya tanka, bu günə qədər sağ qalmışdır. Tanka 5-7-5-7-7 hecalı beş sətirdən ibarətdir. Bu dövr ədəbiyyatında ən önəmli əhval şəxsi səmimiyyət idi.

Nağıl Taketori monoqatari 9 -cu əsrdə yazılmış (Bambuk kəsicinin nağılı) Yaponiyanın ilk romanı olduğu düşünülür. Bu gün kimi geniş tanınır Kaguya-hime (Ay Princess) və uşaq şəkilli kitablarında məşhurdur. Bir gün bambuk sapında kiçik bir uşağı tapan köhnə bir bambuk kəsicinin hekayəsini izah edir. O və həyat yoldaşı onu övladlığa götürür və uşaq bir neçə ay ərzində gözəl bir qadına çevrilir (bambuk fenomenal sürətlə böyüdüyü kimi). İmperator da daxil olmaqla bir çox sevənləri cəlb edir, lakin əlini qazanmaları üçün imkansız vəzifələr qoyur. Nəhayət Kaguya -hime, evinə - aya qayıdacağını bildirir. İmperator onu dayandırmaq üçün minlərlə əsgər göndərir, ancaq onlardan qaçır və arxasında yalnız bir məktub qoyur. İmperator məktubun ölkədəki ən yüksək dağda yandırılmasını əmr edir. Möcüzəvi şəkildə, məktub tüstü çıxarmağa davam edir və nəticədə dağ Fuji, "ölməz bir" kimi tanındı.

Şübhəsiz ki, bədii ədəbiyyatın ilk ən böyük əsəri idi Genji Monogatari (Genji Nağılı) tərəfindən 1010 -cu ildə yazılmışdır Murasaki Şikibu (solda), Heian məhkəməsinin xanımı (müasir Kyoto). Yapon folklorunda Casanova və ya Don Juan versiyası olaraq düşmüş şahzadə Genji ətrafında mərkəzləşən zadəganların romantik macəralarından bəhs edən 54 cildlik nəhəng bir kitabdır. Həm də olduğu kimi 10-11-ci əsr saray adamlarının gündəlik həyatına da bir baxış verir Makura-no-soshi (Yastıq Kitabı) tərəfindən Sei Shonagon, məhkəmənin başqa bir qadını.

Heian Dövrü (794-1185) ədəbiyyatı ilə xarakterizə olunur mono-xəbərsizvə ya təbiətə və hər şeyə bağlılıq hissi. Bu anlayış hələ də Yapon psixikasının mərkəzi hesab olunur, baxmayaraq ki, bu günün Yapon dilində görmək o qədər də asan deyil.

Beş əsrlik böyük çalxalanma və demək olar ki, daimi müharibə, 1185 -ci ildə Dannoura Döyüşündən sonra hakim Taira qəbiləsinin Minamoto qəbiləsi tərəfindən məğlub edildiyi (Genji olaraq da bilinir). Döyüş, dövrün ən məşhur nəsr əsərinin mövzusu oldu Heike Monogatari (Taira Klanının Nağılları, c. 1220) müəllifi naməlumdur.

Ölkəni bürümüş zülmət və tənhalıq əhval -ruhiyyəsi dövrün ədəbiyyatında öz əksini tapmışdır. Tez -tez yugen (sirr və dərinlik) termini istifadə edərək təsvir olunur. Kamakura (1185-1333) və Muromachi (1333-1573) dövrlərini əhatə edən bu dövrdə Yapon cəmiyyətinin ən əhəmiyyətli insanları, hərəkət həyatı yaşayan samuray döyüşçüləri və günlərini keçirən Budist kahinlər idi. səssiz düşüncədə. Böyük yazıçıların çoxu keşiş idi.

The Shin Kokin-shu (Yeni Qədim və Müasir Şeirlər Toplusu, 1205) bu dövrün ən böyük şeir antologiyalarından biridir. Şair tərəfindən tərtib edilmişdir Fujiwara Teika lakin daxil olan əsas şəxslərdən biri keşişdir Saigyo. Bu dövrdə inkişaf etdirilən bir şeir növü Renga və ya əlaqəli şeirlər idi. Üç və ya daha çox şair bir uzun şeir yazmaq üçün əməkdaşlıq etdi. Ən böyük renga ustaları, Sogi, ShohakuSocho, birlikdə məşhurları meydana gətirdi Minase Sangin (Minazədə Üç Şair) 15 -ci əsrin sonlarında.

Torpaq altında sülh bərpa edildikdən sonra Tokuqava Edodan (müasir Tokio) hökm sürən şogunat, Yaponiyanın iki əsr ərzində xarici dünyaya qapalı qalması ilə yeni mədəniyyət formaları inkişaf etdi. Edo dövrü (1600-1868), tacir sinifinin böyüməsini və bununla birlikdə daha məşhur bir xalq mədəniyyətinin inkişafını gördü.

Hələ də məşhur nümunələr arasında kabuki, ukiyo-e (aktyorların və fahişələrin taxta daşı izləri) və bu kimi romanlar var. Koshoku Ichidai Otoko (Sevgi dolu bir insanın həyatı) və Koushoku Gonin Onna (Sevgini Sevən Beş Qadın) tərəfindən İhara Saisaku. Bu romanlar eşq həyatı, ticarət cəmiyyətinin maliyyə təkərləri və əlaqələri haqqında eyni dərəcədə nağıllardır. Eyni zamanda, Edo dövrü də Yapon ədəbiyyatının ən yaxşı uğuru hesab edilən poetik formanın inkişafını gördü. haiku.

Bəlkə də ən qısa şəkildə şeirin distillə edilmiş mahiyyəti olaraq təsvir edilən haiku, 17 hecalı şeirlərdir və inkişafları o dövrdə yayılmış Zen Buddizmdən güclü şəkildə təsirlənmişdir. Mövcud 5-7-5 hecalı quruluş və a kigo (Mövsümü təmsil edən bir söz) yalnız Meiji dövründə (1868-1912) tanıdıldı, haikunun ən böyük nümayəndəsi Edo dövründə yaşadı.

Basho Matsuo (1644-94) bir Zen keşişiydi və onun haiku tez-tez səyahət jurnallarının bir hissəsini təşkil edir və Saigyo və daha əvvəlki ədəbi böyüklərin izlərini izləyərkən ölkənin müxtəlif yerlərində əhvalını və ətrafını tutaraq yolda yazılırdı. Sogi. Ən məşhur əsərdir Tamam Hosomichi yox (Dərin Şimaldan keçən dar yol - məşhur Yapon alimi tərəfindən Okuya gedən İngilis tərcüməsində mövcuddur Donald Keen). Başonun 48 yaşında və ölümündən bir az əvvəl Edodan Şimali Yaponiyaya qədər davam edən tələbəsi Sora ilə birlikdə təxminən 1500 millik pilqramdan bəhs edir. Bu dövrün digər iki böyük haiku şairi idi Yosa Buson, rəssam və Kobayashi İssa, kəndli kəndli.

Dünyanın ən qısa poetik forması olan haiku, Yapon dilində ingilis dilindən daha yaxşı işləyir və tərcümələr xüsusilə çətindir. Hər halda, Oku no Hosomichi -dən Basho tərəfindən haiku -nun bəzi tərcümələri burada. Soldakı fotoşəkildə Mogami çayının yanında nəhəng bir daş üzərində yazılmış son haiku göstərilir.


Yapon sənətinin qısa tarixi: Edo dövrü

Tokugawa Ieyasunun zəfəri və ərazi birləşməsi güclü bir yeni hökumətin yolunu açdı. Tokugawa şogunatı, 250 ildən çox hökm sürəcək - nisbi sülh və rifahın artdığı bir dövr. Edo şəhərində (indiki Tokio), eləcə də Kyotoda və başqa yerlərdə canlı bir şəhər mədəniyyəti inkişaf etdi. Sənətkarlar və tacirlər vizual və maddi mədəniyyətin yeni formalarının əhəmiyyətli istehsalçıları və istehlakçıları oldular. Tez-tez Yaponiyanın "erkən müasir" dövrü olaraq adlandırılan uzun ömürlü Edo dövrü, 1620-ci illərdən 1700-cü illərin əvvəllərinə qədər uzanan Kan'ei və Genroku dövrləri olan bir çox alt dövrə bölünür.

Kano Sanraku, Əjdaha və Pələng, erkən Edo dövrü, 17. əsr, hər ikisi 178 x 357 sm (kağız üzərində rəngli və qızıl rəngli qatlanan ekranlar (Myoshinji məbədi, Kyoto, şəkil: Wikimedia Commons)

Kano Tanya, Ay işığında mənzərə, 1662 -ci ildən sonra, üç asma kitabdan biri, ipək üzərində mürəkkəb, 100.6 x 42.5 sm. İmza, rəssamın "Buddist Qanunun möhürü" adlı Hōin başlığından bəhs edir. (Böyükşəhər İncəsənət Muzeyi)

Kanei dövründə, Muromachi dövründə qurulan Kano rəsm məktəbi, ən xarakterik üç rəssamın rəhbərliyi altında inkişaf etdi: Kano Tan'yū, Kanō Sanraku və Kanō Sansetsu. Onların üslubları həm Kano Eitoku'nun (Momoyama dövrü bölməsində müzakirə olunur) nəhəng rəsmini təqlid etdi və ondan ayrıldı. Tanyo Eitokunun nəvəsi, Sanraku onun övladlığa götürülmüş oğlu, Sansetsu isə Sanrakunun kürəkəni idi (Sanrakunun nəticədə varis olaraq qəbul etdiyi).

Müvafiq üslubları iki fərqli sənət istiqaməti arasında yaradıcı bir gərginliyi paylaşdı: bir tərəfdən cəsarətlə ifadəli və monumental rəngləmə üslubundan dərindən təsirləndi, geri dönmə də daxil olmaqla daha az dramatik və incə zərif bir tərz qəbul etdilər. Çin modellərinə və Kano məktəbinin əvvəlki üslubuna.

Xüsusilə Tan'yu bu mühafizəkar dönüşə rəhbərlik etdi. Tokugawa shōgun'un rəssamı olaraq Edoya getməsi, Kyoto mərkəzli Kano rəssamları ilə (Sanraku və Sansetsu da daxil olmaqla) bir ara verdi, bu da məktəb daxilində iyerarxiya və qanunauyğunluq mövzusunda fikir mübadiləsi apardı.

Çin ənənəsinə söykənən çox yönlü bir sənətçi olan Tan'yo, Çin rəsmlərinin bilicisi və kolleksiyaçısı idi. Erudit vizual söz ehtiyatından istifadə edərək, Tan'yo həm klassik mövzuları xatırladan monoxrom mürəkkəblə həm poetik mənzərələri, həm də saray şəraiti üçün böyük miqyaslı komissiyalar qəbul edən Yapon üslubunda polikromlu rəsm əsərləri çəkdi. İşini qiymətləndirərək, 61 yaşında Hōin ("Buddist Qanunun möhürü") fəxri adına layiq görüldü.

Şemsiyeli qadını təsvir edən yemək, c. 1734–37, Hizen məmulatı, Imari, Hollandiyalı Cornelis Pronk'a aid dizayn, şəffaf şüşə altında kobalt mavisi olan çini, 26.7 sm (Metropolitan İncəsənət Muzeyi)

Kan'ei və Genroku dövrləri başqa bir mühitdə, yəni çini üzərində böyük inkişafların şahidi oldu. Yapon çini qabaqcılları Toyotomi Hideyoshinin Momoyama dövründə Koreyaya girməsindən sonra Yaponiyaya gətirilən Koreyalı dulusçular idi. Bu dulusçular Kyushuya yerləşdilər və dünyanın ən yenilikçi və məhsuldar çini mərkəzlərindən birinə yol açdılar. Arita, Imari, Kakiemon, 17-ci əsrdə Şimali Kyushudan Hollandiya Şərqi Hindistan Şirkəti vasitəsi ilə bu cür malların ixracı səbəbiylə indi ev adlarıdır. Bu beynəlxalq ticarət şirkəti, Çin çini, xüsusən də mavi-ağ çeşidinin qlobal cazibəsinə əhəmiyyətli qatqı təmin etmişdi. Tokugawa'nın özünü təcrid etmək siyasətinə baxmayaraq, bəzi Çinli və Hollandiyalı agentlərin beynəlxalq ticarəti davam etdirməsinə icazə verilməsi istisna olmaqla, Ming sülaləsinin süqutu nəticəsində Çində baş verən siyasi qarışıqlıq Hollandiyalıların Çin mavisini əvəz etməsi üçün optimal kontekst yaratdı. -qlobal ticarətdə Yapon çini ilə ağ rəngli çini. Tez-tez İmari məmulatı olaraq adlandırılan Yapon ixrac malları Çin mavi-ağ çini təqlid edir və hazırladığı Qərb zövqlərini əks etdirir.

Payız otları və pastil şəkilli dumanı əks etdirən lövhə, Nabeshima məmulatları, mavi və seladon sirli çini, 20.32 sm (Minneapolis İncəsənət İnstitutu)

Şimal Kyushunun müxtəlif çini sobaları arasında, Nabeshima məmulatları ixrac üçün deyil, yalnız daxili bazar üçün istehsal olunurdu. Koreyalı dulusçuları öz ərazisinə gətirən Nabeshima ağası, 17 -ci əsrdə inkişaf edən yerli istehsalı qucaqladı və çini, şogunlara və digər feodallara strateji hədiyyə etdiyi xüsusi bir sobaya himayədarlıq etdi. İstehsal prosesləri gizli saxlanılan Nabeshima çini, Çin və ya Avropa mənbələrindən deyil, ənənəvi Yapon vizual repertuarından çəkilmiş incə motivlərlə bəzədilmiş incə səthləri ilə seçilir.

Hamar səthləri və dəqiq müəyyən edilmiş formaları ilə çini, Yapon ritualları üçün Oribe qabları kimi Yaponiyanın digər keramika mərkəzlərində istehsal olunan daş məmulatlardan (Momoyama dövrü bölməsində təsvir edilmişdir) fərqlənirdi. Edo dövründə çay mərasimi - hər ikisi chanoyusencha, yarpaqlı çay hazırlamaq və zövq almaq üçün fərqli bir ritual növü çiçəklənməyə davam etdi. Senchaxüsusən də ədəbiyyat mədəniyyətinin ayrılmaz bir hissəsidir. Yapon savadlıları və ya bunjin Rəssamlıq, xəttatlıq və şeir yazmaqda yaxşı bilən Çinli alim-filosoflardan nümunə götürdülər. Sənət axtarışında olan alimlər olaraq bunjin peşəkar rəssamlar deyildilər, özlərini cəmiyyətdən uzaqlaşdıraraq və hətta meydan oxuyaraq mükəmməlliyə nail olmağa çalışan mədəni ruhların daxili enerjisini ifadə etmək üçün rəsm əsərlərindən - xüsusən də mənzərələrin, şeirlərin və mürəkkəb yuma üsulu ilə Çin və Yapon ənənəvi motivlərinin kortəbii şəkildə işlənməsi. cəmiyyət normaları. Bu geri çəkilmə modeli, xüsusilə Edo dövrünə gətirib çıxaran 40 illik Momoyamanı xarakterizə edən qarışıqlıq əsnasında 16. əsrin sonlarında Yaponiyada olduğu kimi siyasi iğtişaşlar dövründə də qəbul edildi. Tədricən, savadlılıq praktikləri, bir tərəfdən üsyankar və son dərəcə fərdiyyətçi, digər tərəfdən ritualist və normativ arasında əsas bir gərginlik yaratdı, çünki ənənələr və soylar zaman keçdikcə daha da sərtləşməyə başladı.

Ike no Taiga və Yosa Buson, On Rahatlıq və On Zövq, 1771, cütləşdirilmiş albomlar, kağız üzərində rəng, 17.7 x 17.7 sm (mərhum Kawabata Yasunari kolleksiyasında, Kawabata Vəqfi, Kanagava prefekturası, şəkil: Web Yaponiya)

Sözün əsl mənasında "savadlı rəsm" olaraq tərcümə olunan Bunjinga, bu öyrənilmiş adamların tətbiq etdikləri rəsmə aiddir. Literati rəssamlığı həm klassik Çin mövzularına, həm də yerli və müasir ədəbi mənbələrə, xüsusən də rəssamların özləri tərəfindən yazılmış şeirlərə istinadları bir araya gətirirdi. 18-ci əsr haikai-no-renga şair Yosa Buson eyni zamanda sənətkarlıq ruhunda təcrübəli bir rəssam idi haikai-no-renga, Ike no Taiga ilə birlikdə, "on rahatlıq" və "həyatın on zövqü" mövzusunda Çin mövzusunda bir cüt albom, təbiətin ideallaşdırılmış təsvirlərini (əsasən Buson tərəfindən) insan fəaliyyətinin anekdot təsvirləri ilə birləşdirir. Taiga tərəfindən). Buson və Taiga arasındakı əməkdaşlıq həm kollegial, həm də rəqabətli idi, istedad və bacarıq nümayiş etdirən əsrlər boyu davam edən Yaponiya şeir ənənələrini və şəkil yarışmalarını xatırlatdı.

Maruyama Akyo, Qarda şam ağacları, 1781 və 1789 arasında, kağız üzərində mürəkkəb, rəng və qızıl qatlanan bir cüt ekranın sol ekranı (Mitsui Memorial Muzeyi, görüntü: Wikimedia Commons, ictimai malı)

Buson və Taiga'nın rəsmə yanaşmasının bir nəticəsi, rəssam Maruyama Okyonun realizm axtarışları idi. Onun quş və heyvanları, insan fiqurlarını və mənzərələrini təbiətlə ifadə etməsi, təbii aləmi müşahidə etməklə əsaslandırılmış vizual təsvirin rasional rejiminə diqqət yetirməklə savadlılıq rejimindən ziddiyyət təşkil edirdi. Avropanın kölgə salma texnikası və bir nöqtəli perspektivdə təhsil alan Okyo, yenə də qərbdən ilhamlanan təbiətçilik və ənənəvi Yapon texnikası, üslubu və mövzusunun sintezini yaratdı. Okyonun rəsm tərzi, Okyonun ilk olaraq Maruyama məktəbi olaraq qurduğu Maruyama-Shijo məktəbi vasitəsilə ötürüldü. Əvvəlcə Busonla birlikdə təhsil alan və sonra Okyoya üz tutan rəssam Matsumura Goshun (studiyası Kyotonun Shijo küçəsində idi) davam etdi. Yaxın əlaqəli olan bu iki məktəb, Edo dövrünün sonundan bəri, aralarındakı fərqlərin solğunlaşdığı bir qurum olaraq adlandırılır. Goshun soyundakı ən görkəmli rəssamlardan biri, Goshun tələbələrindən birinin şagirdi və yenilikçi bir rəssam və lak sənətçisi olan Shibata Zeshin idi.

Sol: Soga Shhhaku, Tiantai dağının daş körpüsündə aslanlar, 1779, asma vərəq, ipək üzərində mürəkkəb, 114 × 50.8 sm, detal (Metropolitan İncəsənət Muzeyi, tam ölçülü şəkil burada mövcuddur). Sağ: Itō Jakuchū, Quşlar, Heyvanlar və Çiçəkli Bitkilər Xəyali Səhnədə, 18-ci əsr, altı panelli qatlanan ekranlar, kağız üzərində mürəkkəb və rənglər, 137.5 × W355.6 sm, detal (Shizuoka Prefectural İncəsənət Muzeyi, tam ölçülü şəkil burada mövcuddur)

Tosa və Kano kimi qurulmuş məktəblərin xaricində işləyən rəssamlar, müəyyən rəngləmə üsullarından fərqli dərəcədə fərqləndilər. Üslubları xüsusilə qeyri-ənənəvi olanlar, bu yaxınlarda Yapon sənət tarixçisi Tsuji Nobuo tərəfindən "eksantriklər soyu" meydana gətirmək kimi yenidən qiymətləndirildi. Bu "soy" a İvasa Matabei, Kano Sansetsu, Ito Jakuchu, Soga Shohaku, Nagasawa Rosetsu və Utagawa Kuniyoshi daxildir - hər birinin vizual sənətçi olaraq yetişmə proseslərində fərdi traektoriyaları vardı. Paylaşdıqları şey, qeyri -adi texnika və qeyri -adi mövzu ilə xarakterizə olunan rəsmə yüksək fərdi yanaşma idi. Daxilində Tiantai dağındakı daş körpüdə aslanlar, Soga Shōhaku, nadir hallarda təsvir olunan bir Buddist mövzunu seçdi və onu qəribə bir ölçü əlavə edərək yeni yollarla təsəvvür etdi. Daxilində Quşlar, Heyvanlar və Çiçəkli Bitkilər Xəyali Səhnədə, Itō Jakuchū, 43.000-dən çox rəngli kvadratları əzmlə boyadı və fantastik, mozaikaya bənzər bir kompozisiya yaratdı.

Edo dövründə səs -küylü bir şəhər mədəniyyəti inkişaf etdi.Tacirlər, sənətkarlar və əyləncələr məhsul və proqramları ilə mədəni və bədii zövqləri formalaşdırmağa kömək etdilər. Birgə əlaqəli ayə məclisləri və kabuki teatrı kimi yeni əyləncə formaları şəhər həyat tərzinin əsasını təşkil etdi. Turistlər, ziyarətçilər ziyarətgahlara, məbədlərə və məşhur yerlərə ziyarətə getdikcə populyarlıq qazandılar (meisho 名 所), tez -tez klassik şeirlər və ənənəvi nağıllarla əlaqələndirilir. Bütün bu mədəni təcrübələr kollektiv olaraq tanınan məşhur rəsm və çap əsərlərində əks olundu ukiyo-e 浮世 絵. Sözün əsl mənasında "üzən dünyanın şəkilləri" ukiyo-e ən yaxşı şəkildə "adi insanlar" üçün janr rəsmləri olaraq təyin edilə bilər (şmin 庶民)-Edo dövrü Yapon cəmiyyətinin orta sinifinin üzvləri.

Hishikawa Moronobu, İki Aşiq, c. 1675–80, polixrom taxta çap, kağız üzərində mürəkkəb və rəng, 22,9 x 33,7 sm (Metropolitan İncəsənət Muzeyi)

17-ci əsr rəssamı Hishikawa Moronobu, ailənin tekstil işində təhsil aldı. ukiyo-e ustalar. Gözəl qadınların şəkillərinə diqqət yetirdi (bijin 美人) və həm rəngləmə, həm də taxta çapında çalışdı. Qadının və sevgililərinin Edonun əyləncə məkanında təsvir etməsi sonrakı hadisələrə çox təsir etdi ukiyo-e rəssamlar və çap dizaynerləri, xüsusən Miyagawa Chōshun. Əvvəlcə Tosa məktəbində təhsil alan Chōshun, əsərlərinə imzasını "yamato-e" əlavə edərək imzaladı-bu, ilk günlərində, ukiyo-e -nin varisi hesab olunurdu yamato-e üslub

İvasa Matabei, Yamanaka Tokiwa Nağılı, 17 -ci əsr, əl üzəri, kağız üzərində mürəkkəb və rəng, ümumi uzunluğu 70 metrdən çox, detal (Mühüm Mədəni Əmlak, MOA İncəsənət Muzeyi, Atami, Shizuoka, Yaponiya)

Ukiyo-e ustası Hishikawa Moronobu ilə eyni vaxtda, Moronobu və davamçıları kimi, özünü varis kimi görən rəssam İvasa Matabei idi. yamato-e və Tosa məktəbi ənənələri. Anekdot rəsm üslubunu və Yapon mövzulara və boyama texnikasına sadiqliyini nəzərə alaraq, Matabei tez -tez quruluşçu fiqur hesab olunur. ukiyo-e Moronobu ilə birlikdə. Matabei, rəsm əsərləri üçün Genji Nağılı kimi Yapon ədəbiyyatının klassiklərindən ilham aldı. Ancaq ruhunda ukiyo-e, Onun rəsmləri gündəlik həyat və şəxsi təcrübə ilə doludur. Sənətinin yüksək şəxsi ölçüsü, başqalarını Matabei'yi "eksantriklərdən" biri kimi düşünməyə vadar etdi (burada əvvəllər Shōhaku və Jakucho ilə əlaqədar olaraq izah edilən və sənət tarixçisi Tsuji Nobuonun tərifi ilə uyğunlaşdırılmış mənada istifadə olunur). İstər Tosa, ukiyo-evə ya eksantrik olan Matabei, müasir həyat təcrübələrinə və gündəlik həyatın aspektlərinə diqqət yetirərək ənənəni pozdu. Çox vaxt bu mövzular klassik mövzu ilə oynaq şəkildə bir -birinə qarışdı və nəticədə vizual bənzətmə ilə nəticələndi. mite. İndiki reallıqlar keçmişin klassik və ya mifik mövzularının üstünə qoyulmuşdur. Bu praktika, Matabei kompozisiyalarında göründüyü kimi, dünyəvi və lətifəyə vurğu etməkdən, şairlər kimi əfsanəvi və ya tarixi şəxsiyyətlərin simasında müasir şəxslərin (gözəl qadınlar və kabuki aktyorları kimi) oynaq təsvirlərinə qədər dəyişir. Andō (Utagawa) Hiroshige və Utagawa Kunisada kimi 18-19-cu əsrlərdəki ukiyo-e sənətçilərinin əsərlərində daha sonra göründüyü kimi döyüşçülər.

Hokusai, Təsadüfi eskizlər (Manga), 1834, səkkiz cild taxta çaplı kitablar, kağız üzərində mürəkkəb və rəng, 22.9 x 15.9 sm, iki səhifəlik yayılma (Metropolitan İncəsənət Muzeyi). Hokusai Manga Edo dövrü mədəniyyətinin mikrokosmosunu yaradın və 19-cu əsrdə Avropa sənətçiləri üçün əsas ilham mənbəyi oldu.

Hokusai, Odun kəsmə, 1849, ipək üzərində mürəkkəb və rəng, 113.6 × 39.6 sm (Charles Lang Freerin Hədiyyəsi, F1904.182, Freer İncəsənət Qalereyası)

Ukiyo-e şəkillər müxtəlif formatlarda, rəsm əsərlərindən və surimono şəkilli kitablara (ehon 画 日) və tez-tez seriya şəklində hazırlanan boş taxta izləri (məsələn, Fuji dağının otuz altı görünüşü, 9-cu əsrin şairəsi Ono no Komaçinin həyatında yeddi epizod). Ən tanınmışlardan biri ukiyo-e ustalar və qərb dünyasındakı Yapon sənətinin bir emblemi olan Katsushika Hokusai (1760-1849) yalnız taxta bloklu çap seriyası və şəkilli kitablar hazırlamır, həm də çoxsaylı rəsm əsərlərinin müəllifidir. Qənaətli bir həyat sürən və səliqəsiz yurdlarda yaşayan Hokusai, uzun ömrü boyu diqqətəlayiq dərəcədə məhsuldar idi, müxtəlif ləqəbləri mənimsəmiş və əsərlərini boyarkən neçə yaşında olduğunu diqqətlə qeyd etmişdir. Hokusai, həm klassik, həm də müasir Yapon həyatını və mədəniyyətini gözəl bir şəkildə başa düşməklə yanaşı, müstəsna cazibədarlığı və coşğun təxəyyülü ilə layiqincə məşhurdur. Edo dövrünün digər rəssamları kimi, tez-tez özünü yaradıcılıq portretləri və qalıcılıq və qocalıq haqqında düşüncələr vasitəsilə öz əsərlərinə daxil edirdi.

Edo dövrü, vizual lüğət və estetik prinsiplərin ortalar arasında (rəsmlər, keramika, lak məmulatları və toxuculuqlar tez-tez oxşar motivləri paylaşan) və dizayndan populyar mədəniyyətə qədər romantik bir keçmiş üçün nostaljiyə qədər fərqli mədəniyyət qeydlərini keçdiyini gördü. . Bu kəsişmələr, müxtəlif ixtisaslardakı sənətçilər arasındakı əməkdaşlıq sayəsində daha da inkişaf etdirildi. Bu işbirliklərinin ən nəticələrindən biri, Kyoto mərkəzli, 17-ci əsr rəssamı Tawaraya Sōtatsu ilə xəttat və keramika ustası Hon'ami Kōetsu arasındakı əməkdaşlıq idi.

Tawaraya Sōtatsu (rəsm), Hon’ami Kōetsu (xəttatlıq), Kokin wakashdan şeirlər, 1600 -cü illərin əvvəlləri, əl vərəqi, mürəkkəb, qızıl, gümüş və kağız üzərində mika, 33 sm yüksəklikdə, detal (Charles Lang Freerin hədiyyəsi, F1903.309, Freer İncəsənət Qalereyası)

Hon ’ami Kōetsu 本 阿 弥 光 悦, Çay qabı adlı Mino oyun ("Uzun quyruqlu tısbağa"), qara Raku şüşəli saxsı qab, 8.7 x 12.5 x 12.5 sm (Freer İncəsənət Qalereyası)

Onların birgə təcrübəsi, rəsm, şeir, xəttatlıq, lak, keramika və çay ritualında paylaşılan ənənəvi mədəni istinadları vurğulayan zərif bir estetikə səbəb oldu.

Dulusçu Nonomura Ninsei ilə yanaşı, Kōetsu Yaponiyada saxsı qablara imza atanlardan biridir. Çay qablarını düzəldər, sonra qabları şüşələmək və atəşə tutmaq üçün Raku-mal emalatxanasına göndərərdi. Kōetsu bir çox mediada çalışdı və rəssam və dulusçularla əməkdaşlığı daha vahid vizual mədəniyyətə kömək etdi. Əsrlər boyu Yapon sənətində olduğu kimi, nəsillər Satsatsu və Ketsu estetik proqramlarının yaşaması və çevrilməsində mühüm rol oynadı.

Ogata Kenzan ’s Narutaki atelyesi (1699-1712), görüntüləri olan buxur qabı İse Nağılları, daş məmulatlar, sirrli kobalt və üst sırlı emaye, 2,5 x 10 x 7,3 sm (Charles Lang Freerin hədiyyəsi, F1907.84a-b, Freer İncəsənət Qalereyası)

Bu 17-ci əsr sənətçilərinin bir-birinə qarışmış üslubları, 18-ci əsrin əvvəllərində rəssamlar Ogata Kerin və qardaşı Ogata Kenzan tərəfindən təqlid edildi və möhkəmləndirildi. Ailə münasibətləri bu üslub şəcərəsini iki qat artırdı: Krin və Kenzanın böyük nənəsi Kōetsunun böyük bacısı idi. Və iki qardaş vaxtaşırı əməkdaşlıq etdi. Krin rəsmdə ixtisaslaşır, Kenzan isə Kyoto sahəsindəki keramikanın ən təsirli adlarından biri olur. Sonrakı nəsil dulusçular Kenzanın üslubunu təqlid etdilər və hətta kopyaladılar. Estetik mənşəyini Kōrin və Kenzan modelləri olan Sōtatsu və Kōetsu ilə əlaqələndirən “school ”). Rinpa sənətçiləri ’ zərif və dahiyanə dizaynlar ənənəvi mövzu və motivlərə əsaslanaraq qızıl, gümüş və qalın rənglərlə işlənmişdir. Rəssamlıqdan laklara və filmdəki epizodlara qədər müxtəlif mühitlərdə və janrlarda çalışdılar Genji nağılı dörd fəslin təsvirlərinə.

Sol: Ogata Kirin, Yatsuhashi -də irislər (Səkkiz Körpü), 1709 -cu ildən sonra, 163.7 x 352.4 sm (Metropolitan İncəsənət Muzeyi) kağız üzərində bir cüt qatlanan ekran, mürəkkəb, rəng və qızıl. Təsvir edilən motivlər klassik Yapon mətnini oyadır İse Nağılları. Sağda: Sakai Hōitsu, Yaz və Payız Çiçəkləri, bir cüt ekranın sağ ekranı, 164.5 x 181.8 sm (JAANUS, Yapon sənət və memarlıq terminlərinin onlayn lüğəti

e-Muzey, Yaponiyada milli sərvətlər və əhəmiyyətli mədəni xüsusiyyətlər olaraq təyin olunan əsərlərin məlumat bazası

Yaponiya haqqında Metropolitan İncəsənət Muzeyində ’s Heilbrunn İncəsənət Tarixi Qrafiki

Nobuo Tsuji, Nicole Coolidge Rousmaniere tərəfindən tərcümə, Yaponiyada İncəsənət tarixi (Tokio: Tokyo Universiteti Mətbuatı, 2019)

Richard Bowring, Peter Kornicki, Yaponiyanın Kembric Ensiklopediyası (New York: Cambridge University Press, 1993)


Origami

Uşaqlıqda qatlanmış qəzet və ya dəftərdən bir kağızdan istifadə edərək kağız təyyarə düzəltməyən qərbli bir adam çətin ola bilər. Daha sərgüzəştli bir şapka düzəldə bilərdi və ya şanslı olsaydılar, origami və yaradıcı bir zehnin birləşdirə biləcəyi demək olar ki, sonsuz imkanlarla tanış ola bilərdilər. Bu günlərdə bəzi insanlar bunu sadəliyi və dərinliyi ilə Zenə bənzər əsl sənət növü hesab etsələr də, origami əsasən bir neçə standart dizaynı öyrədilən uşaqlar üçün bir fəaliyyət olaraq qəbul edilir. Yaponiyada belə, insanların çoxunun ustalıq etdiyi ən mürəkkəb dizayndır tsuru (kran), uşaqların sülh arzusunun dünya simvoluna çevrildi. Ancaq origami uzun bir tarixə malikdir və əslində uşaqlar üçün deyildi.

Qəşəng bir origami nümunəsi

Yapon mədəniyyətindəki bir çox şey kimi, origami ("oru" dan bükülmə və "kami" kağız mənasını verir) Çindən qaynaqlanır. Kağızın birinci və ya ikinci əsrdə Çində ilk dəfə hazırlandığı və qatlandığı güman edilir. Yaponiyada origami haqqında ilk qeydlər Heian dövrünə (794-1185) aiddir. Məhz bu dövrdə Yaponiya zadəganlarının qızıl dövrü oldu və böyük sənət və mədəniyyət inkişafları dövrü idi. Kağız hələ də nadir hallarda rast gəlinən əmtəə idi ki, origami elitalar üçün əyləncə idi. Kağız, toy kimi mərasim günləri üçün müəyyən şəkillərə qatlandı. Müqəddəs əşyaları qeyd etmək üçün ağ kağızdan zolaqlar istifadə olunurdu və bu adət bu günə qədər hər bir ziyarətgahda görülə bilər.

Edo dövründə (1600-1868) günümüzün məşhur ənənəvi mədəniyyətinin çoxu tacir sinifləri və sadə insanlar üçün əyləncə formaları olaraq inkişaf etmişdir. Kabuki və ukiyo-e yalnız iki nümunədir və origami də şöhrət qazandı. 19-cu əsrin ortalarına qədər 70 və ya daha çox fərqli dizayn yaradıldı. Ancaq təntənəli istifadədən başqa, Meiji dövründən (1886-1912) və Yaponiyanın modernləşməsindən sonra populyarlığı azalmaqdadır.

1950-ci illərin ortalarında, 11 yaşında Sasaki Sadako 1945 -ci ildə Xirosimanın atom bombası zamanı körpəlikdə radiasiyaya məruz qalması nəticəsində lösemi inkişaf etdi. Ənənəyə görə, əgər senbazuru (min kağız vinç) və hər birini tamamladıqdan sonra arzunuz yerinə yetir. Sadako öz sağalmasını arzulayaraq tsuru hazırlamağa başladı. Davam edərkən, dünyada sülh arzuladı. Hekayənin bir versiyasında deyilir ki, o, yalnız 644 yaşına çatanda öldü və məktəb yoldaşları tam nömrəni doldurub cənazəsində ona həsr etdilər. Bəlkə də daha etibarlı bir versiya, 1000 -i tamamladığını və 12 yaşında xərçəngə tutulmadan əvvəl bir neçə yüz qat daha çox getdiyini söyləyir. Detallardan asılı olmayaraq, hekayə, Uşaq Sülh Anıtı Xirosimada və Seattle'daki Sadakonun heykəli. Hər il Sülh Günü (6 avqust), on minlərlə origami tsuru, dünyanın hər yerindən uşaqlar tərəfindən Xirosimaya göndərilir.

Bu origami qutusunun hazırlanması təəccüblü dərəcədə sadədir

Minlərlə origami tsuru, Xirosimadakı atom bombası abidəsində

Sadəcə burada təsvir etməyim üçün bir tsuru düzəltmək üçün çox qatlama addımları var və bir çox sayt artıq bu və bir çox başqa fikirləri təmin edir.

Son zamanlarda İnternet, həm çoxdan gizlədilən cəhətləri, həm də qərb xalqlarının eşitdikləri, lakin az bildikləri şeyləri Yapon mədəniyyəti haqqında yaymağa kömək etdi. Origami, vizual mühitə kömək edən bir cəhətdir. Dizaynlar xətt diaqramlarında və ya fotoşəkillərdə izah edilə bilər və təcrübə ilə hər kəs tərəfindən mənimsənilə bilər. Növbəti addım, hər hansı bir sənət formasında olduğu kimi, cazibədar bir mövzu və ya sahə tapmaq və öz üslubunuzu inkişaf etdirməkdir. Sözləriylə desək Yoshizawa Akira, 'tanınmış origami qrossmeysteri, müasir yaradıcı origaminin atası':

"Sadə bir dördbucaqlı kağızı istədiyiniz kimi istənilən formaya qatlaya bilərsiniz. Mən təbiətin qanunlarını, həyatın ləyaqətini və sevgimin ifadəsini işimə qatmaq istəyirdim. Qatlamaq həyat çətindir, çünki həyat bir forma və ya görünüş bir anda tutuldu və bir an qatlanmaq üçün bütün təbii həyatı hiss etməliyik. "

Joseph Wu -nun Origami səhifəsindən

Yayoi dövrü

Növbəti mədəniyyət dövrü olan Yayoi (Tokionun arxeoloji araşdırmaların izlərini aşkar etdiyi hissəsinin adını daşıyır) eramızdan əvvəl 300 -cü illər arasında çiçəkləndi. və MS 250 cənub Kyushudan şimal Honshuya qədər. Koreyadan Şimali Kyushu'ya köçdüyü və Jomonla qarışdığı düşünülən bu insanların ən erkənləri də yonulmuş daş alətlərdən istifadə etmişlər. Yayoi dulusçuluğu texnoloji cəhətdən daha inkişaf etmiş olsa da, Jomon qablarından daha sadə bəzədilmişdi.

Yayoi bürünc mərasimsiz funksional olmayan zənglər, güzgülər və silahlar və eramızdan əvvəl birinci əsrə qədər dəmir kənd təsərrüfatı alətləri və silahlar düzəltdi. Əhali artdıqca və cəmiyyət daha da mürəkkəbləşdikcə parça toxudular, daimi əkinçilik kəndlərində yaşadılar, taxta və daşdan binalar tikdilər, torpaq mülkiyyəti və taxıl saxlama yolu ilə sərvət topladılar və fərqli sosial siniflər inkişaf etdirdilər. Onların suvarılan, yaşıl düyü mədəniyyəti, ağır işçi qüvvəsi tələb edən mərkəzi və cənub Çinin mədəniyyətinə bənzəyirdi ki, bu da çox oturaq, aqrar cəmiyyətin inkişafına və nəticədə böyüməsinə səbəb oldu.

Yüksək mərkəzləşdirilmiş bir hökumətə səbəb olan kütləvi ictimai işlər və su nəzarət layihələri həyata keçirməli olan Çindən fərqli olaraq Yaponiyada bol su var idi. Yaponiyada yerli siyasi və sosial inkişaflar mərkəzi hakimiyyətin və təbəqəli cəmiyyətin fəaliyyətindən nisbətən daha vacib idi.


Məzmun

Qədim Yaponiya və Asuka dövrü (710 -cu ilə qədər) Redaktə edin

Yaponiyada rəssamlığın mənşəyi Yaponiyanın tarixdən əvvəlki dövrünə gedib çıxır. Sadə fiqur təsvirləri, eləcə də botanika, memarlıq və həndəsi dizaynlar Jōmon dövrü keramika və Yayoi dövründə (eramızdan əvvəl 1000 - eramızın 300 -cü illərində) tapılmışdır. ōtaku bürünc zənglər. Kofun dövrünə və Asuka dövrünə (e.ə. 300-700) aid çoxsaylı tumulilərdə həm həndəsi, həm də fiqur dizaynlı divar rəsmləri tapılmışdır.

Çin yazı sisteminin tətbiqi ilə birlikdə (Kanci), Çin idarəetmə üsulları və Asuka dövründə Buddizm, bir çox sənət əsəri Çindən Yaponiyaya idxal edildi və oxşar üslubda yerli nüsxələr istehsal olunmağa başladı.

Nara dövrü (710–794) Redaktə edin

6-7-ci əsrlərdə Yaponiyada Buddizmin daha da qurulması ilə dini rəsm inkişaf etdi və aristokratlar tərəfindən tikilmiş çoxsaylı məbədləri bəzəmək üçün istifadə edildi. Bununla birlikdə, Nara dövrü Yaponiya rəsmdən daha çox heykəltəraşlıq sənətinə verdiyi əhəmiyyətli töhfələrlə tanınır.

Bu dövrdən qalan ən qədim rəsm əsərləri, Nara prefekturasının İkaruqa şəhərindəki Hōryū-ji məbədindəki Kondō (金堂) daxili divarlarında çəkilmiş rəsmlərdir. Bu divar rəsmləri, əhəmiyyətli Tamamushi Türbəsindəki boyalı şəkillər kimi hekayələri ehtiva edir jataka, Buddanın, Bodhisattvaların və müxtəlif kiçik tanrıların simvolik şəkillərinə əlavə olaraq, tarixi Buddanın, Shakyamuni'nin həyatından epizodlar. Stil, Sui sülaləsindən və ya On altı Krallığın sonlarından Çin rəsmlərini xatırladır. Ancaq Nara dövrünün ortalarında Tang sülaləsinin üslubunda olan rəsmlər çox populyarlaşdı. Bunlara eramızdan əvvəl 700 -ə aid olan Takamatsuzuka türbəsindəki divar resimleri də daxildir. Bu üslub, erkən Heian dövründə məşhur qalmış (Kara-e) janrına çevrildi.

Nara dövründəki rəsmlərin əksəriyyəti dini xarakterə malik olduğundan, əksəriyyəti anonim rəssamlar tərəfindən çəkilmişdir. Yapon və Çin Tang sülaləsindən olan [2] Nara dövrü sənətinin böyük bir kolleksiyası, əvvəllər Tōdai-ji-yə məxsus olan və hazırda İmperator Məişət Agentliyi tərəfindən idarə olunan 8-ci əsrə aid olan Shōsō-in-də qorunur.

Heian dövrü (794–1185) Redaktə edin

Shingon və Tendai'nin ezoterik Buddist təriqətlərinin inkişafı ilə, 8-9 -cu əsrlərə aid rəsm əsərləri dini obrazlarla, xüsusən də Mandala (曼荼羅, mandara). Mandalanın çoxsaylı versiyaları, ən məşhuru Diamond Realm MandalaMandala dünyası Kyotodakı Tji'de, asma kitabələr, həm də məbədlərin divarlarında divar şəkilləri kimi yaradılmışdır. Qeyd olunan erkən bir nümunə, Kyotonun cənubundakı bir məbəd olan Daigo-ji'nin beş mərtəbəli pagodasındadır.

Kose Məktəbi, 9 -cu əsrin ikinci yarısında, erkən Heian dövründə Kanaoka Kose tərəfindən qurulan məhkəmə sənətçiləri ailəsi idi. Bu məktəb digər məktəblər kimi tək bir rəsm üslubunu deyil, Kanaoka Kose və onun nəslinin və şagirdlərinin yaratdığı müxtəlif rəsm üslublarını təmsil edir. Bu məktəb Çin mövzulu Çin üslublu rəsm əsərlərini Yapon üslubuna çevirdi və yamato-e rəngləmə üslubunun formalaşmasında böyük rol oynadı. [3] [4]

10-cu əsrdə Yapon Buddizminin Saf Torpaq təriqətlərinin artan əhəmiyyəti ilə bu təriqətlərin sədaqətli ehtiyaclarını ödəmək üçün yeni imic növləri inkişaf etdirildi. Bunlara Amida Buddanın yanında canişin bodhisattvas Kannon və Seishi ilə birlikdə Amidanın Qərbi Cənnətinə gedən sadiqlərin ruhlarını qarşılamaq üçün gələn təsvir olunan raigōzu (来 迎 図) daxildir. 1053-cü ildən bəri qeyd olunan erkən bir nümunə, Kyoto'nun Uji şəhərindəki Byōdō-in Phoenix Salonunun içərisində çəkilmişdir. Bu, Yamato-e (大 和 絵, "Yapon üslubunda rəsm") adlandırılan ilk nümunə hesab olunur, çünki buraya mənzərənin əsl görünüşünü əks etdirən yumşaq yuvarlanan təpələr kimi landşaft elementləri daxildir. qərbi Yaponiya.

Orta Heian dövrü, qızıl dövrü olaraq görülür Yamato-e, Əvvəlcə sürüşmə qapılar üçün istifadə olunan (fusuma) və qatlanan ekranlar (byōbu). Bununla birlikdə, xüsusilə Heian dövrünün sonuna doğru yeni rəsm formatları da ön plana çıxdı emakimonovə ya uzun təsvirli əl barmaqları. Çeşidləri emakimono kimi təsvirli romanları əhatə edir Genji Monogatari kimi tarixi əsərlər Ban Dainagon Ekotoba və dini əsərlər. Bəzi hallarda, emaki rəssamlar Buddist sənətində qədim zamanlardan bəri istifadə olunan təsviri povest konvensiyalarından istifadə edirdilər, digər vaxtlarda isə əsas povestin emosional məzmununu vizual olaraq çatdırdığına inandıqları yeni povest üsulları hazırlayırdılar. Genji Monogatari diskret epizodlara bölünür, daha canlıdır Ban Dainagon Ekotoba povestin irəli hərəkətini vurğulamaq üçün davamlı bir povest rejimindən istifadə edir. Bu ikisi emaki Sürətli fırça vuruşları və açıq rəngləmə ilə stilistik olaraq da fərqlənir Ban Dainagon soyudulmuş formaları və canlı mineral piqmentləri ilə kəskin şəkildə ziddiyyət təşkil edir Genji sürüşdürür. Sanjo Sarayının mühasirəsi bu növ rəsm əsərlərinin başqa bir məşhur nümunəsidir.

E-maki həm də ən qədim və ən böyük nümunələrdən biri kimi xidmət edir onna-e ("qadın şəkilləri") və otoko-e ("kişi şəkilləri") və rəsm üslubları. İki üslubda çox gözəl fərqlər var. Bu terminlər hər bir cinsin estetik üstünlüklərini düşündürsə də, Yapon sənət tarixçiləri bu terminlərin həqiqi mənasını uzun müddət mübahisə etdilər və hələ də aydın deyil. Bəlkə də ən asan nəzərə çarpan mövzu fərqləridir. Onna-etərəfindən epitomlaşdırılmışdır Genji nağılı Handsroll, ümumiyyətlə məhkəmə həyatı və məhkəmə romantikası ilə məşğul olur otoko-e, tez-tez tarixi və ya yarı əfsanəvi hadisələrlə, xüsusən döyüşlərlə məşğul olur.

Kamakura dövrü (1185–1333) Redaktə edin

Bu janrlar Kamakura dövründə Yaponiya boyunca davam etdi. Bu sənət üslubu "Sanjo Sarayına Gecə Hücumu" başlıqlı rəsm əsərində çox nümunə idi, çünki titrəmə rəngləri, detalları və "Heiji Monogatari" adlı bir romanın möhtəşəm görüntüsü ilə doludur. E-maki müxtəlif növ istehsal olunmağa davam etsə də, Kamakura dövrü rəsmdən daha çox heykəltəraşlıq sənəti ilə daha çox xarakterizə olunurdu. '' Kamakura dövrü XII əsrin sonundan XIV əsrə qədər uzandı. Rəsm əsərləri kimi sənət əsərləri dövrü idi, ancaq əsasən heykəllər o dövrdə həyatın və onun aspektlərinin daha real görüntüsünü gətirirdi. Bu heykəllərin hər birində bir çox həyata bənzər xüsusiyyətlər onları hazırlamağa daxil edilmişdir. Bir çox heykəlin içərisində burun, göz, fərdi barmaqlar və sənətdə heykəltəraşlıq üçün yeni olan digər detallar var idi.

Heian və Kamakura dövründəki rəsmlərin əksəriyyəti dini xarakterə malik olduğundan, əksəriyyəti anonim rəssamlar tərəfindən çəkilmişdir. Ancaq bu yeni Kamakura dövrü sənət üslubunda mükəmməlliyi ilə tanınan bir sənətçi var. Adı Unkei idi və nəticədə bu heykəltəraşlıq sənətini mənimsəmiş və Kei Məktəbi adlı öz məktəbini açmışdır. Zaman keçdikcə "əvvəlki klassik üslubların canlanması, qitədən yeni üslubların idxalı və dövrün ikinci yarısında Kamakura dövrü ətrafında mərkəzləşdirilmiş unikal Şərqi Yapon üslublarının inkişafı" baş verdi.

Muromachi dövrü (1333–1573) Redaktə edin

14 -cü əsrdə Kamakura və Kyotoda böyük Zen monastırlarının inkişafı vizual sənətə böyük təsir göstərdi. Suibokuga, Ming sülaləsindən Çinin Song və Yuan mürəkkəb yuma üslublarından, xüsusən də Muqi (牧 谿) tərəfindən təqdim olunan sərt monoxrom rəngləmə üslubu, əsrlər əvvəl Buddist ikonoqrafiya normalarına bağlı Yaponiyada erkən zen sənətinin polixromlu diyirlənmiş şəkillərini əvəz etdi. Takuma Eiga (宅 磨 栄 賀) kimi. Higashiyama mədəniyyətinin yaratdığı yeni Çin mədəni dalğasına baxmayaraq, bəzi polikromlu portretlər qaldı - ilkin formada çənə Zen rahiblərinin rəsmləri. [5] [6]

Qabaqlı ilə Balıq Balığı tutmaq (Taizo-in, Myōshin-ji, Kyoto şəhərində), keşiş-rəssam Josetsu tərəfindən, Muromachi rəsmində dönüş nöqtəsi yaradır. Ön planda kiçik bir balqabaq tutan və iri yelçək balığı seyr edən bir dərənin sahilində bir adam təsvir edilmişdir. Orta yeri duman doldurur və arxa planda dağlar uzaqda görünür. Təxminən 1413 -cü ildə icra edilən rəsmin "yeni üslubu", şəkil düzleminin içərisində daha çox Çin dərinliyi hissinə aid olduğu güman edilir.

14 -cü əsrin sonlarında monoxrom mənzərə rəsmləri (山水画 sansuiga) hakim Ashikaga ailəsi tərəfindən himayəçi tapdı və Çin köklərindən tədricən daha Yapon üslubuna doğru inkişaf edən Zen rəssamları arasında üstünlük verilən janr idi. Peyzaj rəsminin daha bir inkişafı, şigajiku kimi tanınan şeir şəkil vərəqi idi.

Muromachi dövrünün ən qabaqcıl rəssamları kahin rəssamlar Shubun və Sessho'dur. Rəsmdə yaradılan Shōkoku-ji'nin Kyoto məbədində rahib olan Shubun Bambuk bağında oxumaq (1446) kosmosda dərin tənəzzül ilə realist mənzərə. Sessho, dövrün əksər rəssamlarından fərqli olaraq, Çinə səyahət edə və mənbəyində Çin rəsmini öyrənə bildi. Dörd Mövsümün Mənzərəsi (Sansui Çokan c. 1486), Sesshunun dörd mövsüm boyunca davam edən bir mənzərəni əks etdirən ən mükəmməl əsərlərindən biridir.

Məramiçi dövrünün sonlarında, Kano məktəbi və Ami məktəbinin (ja: 阿 弥 派) sənətçiləri üslub və mövzuları mənimsədikləri halda, daha çox plastik və müasir dövrdə də davam edəcək dekorativ effekt.

Yaponiyanın Muromachi dövründə əhəmiyyətli sənətçilər bunlardır:

Azuchi -Momoyama dövrü (1573–1615) Redaktə edin

Əvvəlki Muromachi dövründən kəskin fərqli olaraq, Azuchi -Momoyama dövrü möhtəşəm bir polikrom üslubu ilə xarakterizə olunurdu, qızıl və gümüş folqa [7] rəsm, geyim, memarlıq və s. çox geniş miqyaslı. [8] Çoxlarının bildiyi təmtəraqlı üslubdan fərqli olaraq, hərbi elita rustik sadəliyi dəstəkləyirdi, xüsusən də oxşar şəraitdə havalanmış və qüsursuz qablardan istifadə edəcəyi [9] çay mərasimi şəklində. Bu dövr mərkəzi hökumət altında "döyüşən" liderlərin birləşməsinə başladı. Bu dövr üçün ilk tanışlığın çox vaxt Nobunaga Kyotoya girəndə 1568 və ya son Ashikaga Shogun Kyotodan çıxarıldığı zaman 1573 olduğuna inanılır. Oda Nobunaga, Toyotomi Hideyoshi, Tokugawa Ieyasu və onların ardıcılları tərəfindən himayə edilən Kano məktəbi, böyük ölçüdə və nüfuz qazandı. Kanō Eitoku, bir otağı əhatə edən sürüşmə qapılarda monumental mənzərələr yaratmaq üçün bir düstur hazırladı. Bu nəhəng ekranlar və divar rəsmləri hərbi zadəganların qalalarını və saraylarını bəzəmək üçün həvalə edildi. Xüsusilə, Nobunaga'nın 1576-1579 -cu illər arasında Kano Eitoku üçün ən böyük sənət problemlərindən biri olduğunu sübut edən böyük bir qalası vardı. Onun varisi Toyotomi Hideyoshi də bu dövrdə bir neçə qala tikdirdi. Bu qalalar, bu dövrdə təcrübəyə gəldikdə ən əhəmiyyətli sənət əsərlərindən biri idi. Bu qalalar yeni dövrdə liderlərin və döyüşçülərin gücünü və inamını təmsil edir. [10] Tokugawa bakufu, Kano məktəbinin əsərlərini Shōgun, Daimyos və İmperator sarayı üçün rəsmi olaraq icazə verilən sənət olaraq tanıtmağa davam etdiyi üçün bu status sonrakı Edo dövrünə qədər davam etdi.

Bununla birlikdə, Kano olmayan məktəb rəssamları və cərəyanları, Azuchi-Momoyama dövründə də mövcud idi və inkişaf etdi, Çin mövzularını Yapon materiallarına və estetikasına uyğunlaşdırdı. Önəmli bir qrup, əsasən yamato-e ənənəsindən inkişaf edən və əsasən kiçik ölçülü əsərlər və ədəbi klassiklərin kitab və ya emaki formatında təsvirləri ilə tanınan Tosa məktəbi idi.

Azuchi-Momoyama dövründə əhəmiyyətli sənətçilər bunlardır:

Edo dövrü (1603-1868) Redaktə edin

Bir çox sənət tarixçisi, Edo dövrünü Azuchi-Momoyama dövrünün davamı olaraq göstərir. Əlbəttə ki, erkən Edo dövründə, əvvəlki rəssamlıq meyllərinin bir çoxu populyar olmağa davam etdi, lakin bir sıra yeni tendensiyalar da ortaya çıxdı.

Erkən Edo dövründə ortaya çıxan çox əhəmiyyətli bir məktəb, klassik mövzulardan istifadə edən, lakin onları cəsarətli və təmtəraqlı bir dekorativ formatda təqdim edən Rinpa məktəbi idi. Xüsusilə Sōtatsu, qızıl yarpaqlı fonlara qoyulmuş təbii aləmdən parlaq rəngli fiqurları və motivləri istifadə edərək klassik ədəbiyyatdan mövzuları yenidən yaradaraq dekorativ bir üslub inkişaf etdirdi. Bir əsr sonra, Korin Satsatsunun üslubunu yenidən işlədi və özünəməxsus bənzərsiz görkəmli əsərlər yaratdı.

Azuchi -Momoyama dövründə başlayan, lakin ilk Edo dövründə tam inkişafına çatan başqa bir əhəmiyyətli janr Namban həm ekzotik əcnəbilərin təsvirində, həm də rəsmdə ekzotik əcnəbi üslubun istifadəsində sənət. Bu janr, Tokuqava şoqunluğunun milli təcrid siyasətinin başlamasından sonra xarici ticarətə açıq qalan yeganə Yapon limanı olan Naqasaki limanı ətrafında mərkəzləşmişdi və bununla da Çin və Avropanın bədii təsirlərinin Yaponiyaya gəldiyi kanal idi. Bu janrdakı rəsm əsərlərinə Naqasaki məktəbi rəsmləri, həmçinin Çin və Qərb təsirlərini ənənəvi Yapon elementləri ilə birləşdirən Maruyama-Shijo məktəbi daxildir.

Edo dövründə üçüncü əhəmiyyətli bir tendensiya, yüksəliş oldu Bunjinga Nanga məktəbi (Cənubi Rəsm Məktəbi) olaraq da bilinən (literati painting) janrı. Bu janr, əsərləri və texnikası 18-ci əsrin ortalarında Yaponiyaya gələn Yuan sülaləsinin Çinli alim-həvəskar rəssamlarının əsərlərinin təqlidi olaraq başladı. Usta Kuwayama Gyokushū yaradılmasının ən böyük dəstəkçisi idi bunjin üslub O, polikromatik mənzərələrin Çin savadlılarının monoxromatik rəsmləri ilə eyni səviyyədə nəzərdən keçiriləcəyini irəli sürdü. Bundan əlavə, əsas Nanga nümayəndələri arasında Rinpa qrupundan Tawaraya Sōtatsu və Ogata Kerin kimi bəzi Yapon ənənəvi sənətçilərini də daxil etdi. [11] Daha sonra bunjinga rəssamlar Yapon və Çin üslublarının qarışığını yaratmaq üçün bu janrın həm texnikasını, həm də mövzusunu əhəmiyyətli dərəcədə dəyişdirdilər. Bu üslubun nümunələri Ike no Taiga, Uragami Gyokudo, Yosa Buson, Tanomura Chikuden, Tani Buncho və Yamamoto Baiitsu.

Tokugawa şogunatının maliyyə və sosial qənaət siyasəti səbəbindən, bu janr və üslubların dəbdəbəli rejimləri əsasən cəmiyyətin yuxarı təbəqələri ilə məhdudlaşdı və əslində aşağı siniflər üçün qadağan edilməsə də mövcud deyildi. Adi insanlar ayrı bir sənət növü inkişaf etdirdilər ūzokuga (風俗 画, Janr sənəti), ümumi, gündəlik həyatdan, xüsusən də adi insanların səhnələrini əks etdirən rəsm, kabuki teatr, fahişələr və mənzərələr məşhur idi. 16-cı əsrdə çəkilmiş bu rəsmlər, ukiyo-e şəkillərinin və ağac kəsmə izlərinin yaranmasına səbəb oldu.

Edo dövründə əhəmiyyətli sənətçilər bunlardır:

    (1559–1663) (1602–1674) (vəfat 1643) (1617–1691) (1658–1716) (1677–1751) (1697–1752) (1704–1758) (1716–1783) (1716–1800) ( 1723–1776) (c. 1725–1770) (1730–1781) (1733–1795) (1744–1820) (1745–1820) (1752–1811) (1760–1849) (1763–1840) (1777–1835) ) (1782–1846) (1783–1856) (1793–1841) (1797–1858) (1807–1891) (1836–1924) (Yūhi) (c. 1712–1772)

Müharibədən əvvəlki dövr (1868-1945) Redaktə edin

Müharibədən əvvəlki dövr, sənətin rəqabət aparan Avropa üslublarına və ənənəvi yerli üslublara bölünməsi ilə əlamətdar oldu.

Meiji dövründə Yaponiya, Meiji hökuməti tərəfindən təşkil edilən avropalaşma və modernləşmə kampaniyası zamanı çox böyük siyasi və sosial dəyişikliklərə məruz qaldı. Qərb üslubunda rəsm (yaga), perspektivli gənc rəssamları təhsil almaq üçün xaricə göndərən və Yapon məktəblərində bir sənət kurikulumu qurmaq üçün xarici rəssamları Yaponiyaya işə götürən hökumət tərəfindən rəsmi olaraq təşviq edildi.

Bununla birlikdə, qərb üslubu sənəti üçün ilkin bir coşğudan sonra, sənətçi Okakura Kakuzo və pedaqoq Ernest Fenollosanın başçılıq etdiyi sarkaç əks istiqamətdə döndü, ənənəvi yapon üslublarına (Nihonga) yenidən qiymət verildi. 1880 -ci illərdə qərb üslubunda olan sənət rəsmi sərgilərdə qadağan edildi və tənqidçilər tərəfindən sərt tənqid edildi. Okakura və Fenollosa tərəfindən dəstəklənir Nihonga üslub, Rafaelitdən əvvəlki Avropa hərəkatının və Avropa Romantizminin təsiri ilə inkişaf etmişdir.

Yōga üslublu rəssamlar Meiji Bijutsukai (Meiji Gözəl Sənətlər Cəmiyyəti) öz sərgilərini keçirmək və qərb sənətinə yenidən maraq oyatmaqdır.

1907 -ci ildə Bunten Təhsil Nazirliyinin himayəsi altında hər iki rəqabət qrupu qarşılıqlı tanınma və birlikdə yaşamağı tapdı və hətta qarşılıqlı sintez prosesinə başladı.

Taisho dövrü üstünlük təşkil etdi Yga bitdi Nihonga. Avropada uzun müddət qaldıqdan sonra, bir çox sənətçi (Arishima Ikuma da daxil olmaqla), Yoshihitonun hakimiyyəti altında Yaponiyaya qayıtdı və özləri ilə Empresyonizm və Erkən Post Empresyonizm texnikalarını gətirdi. Camille Pissarro, Paul Cézanne və Pierre-Auguste Renoirin əsərləri Taisho dövrünün ilk rəsmlərinə təsir etdi. Lakin, yaga Taisho dövründəki sənətçilər də eklektizmə meyl etdilər və müxalif bədii cərəyanlar çox idi. Bunlara Fusain Cəmiyyəti daxil idi (Fyuzankai) post-impressionizm üslublarını, xüsusən də Fauvizmi vurğuladı. 1914 -cü ildə Nikakai (İkinci Diviziya Cəmiyyəti), hökumət tərəfindən dəstəklənən Bunten Sərgisinə qarşı çıxdı.

Taisho dövründə Yapon rəssamlığı, neoklasizm və gec post-impressionizm kimi digər müasir Avropa hərəkatlarından bir qədər təsirləndi.

Ancaq yenidən canlandı Nihongapost-impressionizmdən müəyyən meylləri mənimsəyən 1920-ci illərin ortalarına doğru. İkinci nəsil Nihonga rəssamlar Yaponiya Gözəl Sənətlər Akademiyasını (Nihon Bijutsuin) hökumət tərəfindən dəstəklənənlərə qarşı rəqabət aparmaq Buntenvə baxmayaraq yamato-e ənənələr güclü qaldı, qərb perspektivinin artan istifadəsi və kosmos və işığın qərb anlayışları arasındakı fərqi bulandırmağa başladı. Nihongayaga.

Müharibədən əvvəlki Shwa dövründə Yapon rəssamlığı, əsasən təmiz sənət və mücərrəd rəsm anlayışlarını tanıdan Sōtarō Yasui və Ryūzaburō Umehara tərəfindən idarə olunurdu. Nihonga ənənə yaratdı və bununla da həmin janrın daha təfsiredici bir versiyasını yaratdı. Bu tendensiya Leonard Foujita və Nika Cəmiyyəti tərəfindən sürrealizmi əhatə etmək üçün daha da inkişaf etdirildi. Bu tendensiyaları təbliğ etmək üçün Müstəqil Sənət Dərnəyi (Dokuritsu Bijutsu Kyokai) 1931 -ci ildə yaradılmışdır.

İkinci Dünya Müharibəsi dövründə hökumət nəzarəti və senzura, yalnız vətənpərvərlik mövzusunun ifadə oluna biləcəyi mənasına gəldi. Bir çox sənətçi hökumətin təbliğat işinə cəlb edildi və əsərlərinin emosional olmayan tənqidi nəzərdən keçirilməsi yalnız başlayır.

Müharibədən əvvəlki dövrdə əhəmiyyətli sənətkarlar bunlardır:

    (1863–1899) (1850–1906) (1856–1907) (1828–1888) (1835–1908) (1866–1924) (1874–1959) (1869–1939) (1882–1962) (1882–1911) (1867–1943) (1868–1958) (1874–1911) (1873–1957) (1875–1949) (1885–1977) (1864–1942) (1837–1924) (1873–1930) (1874–1941) (1880–1916) (1879–1936) (1887–1931) (1891–1929) (1885–1927) (1894–1935) (1885–1966) (1887–1936) (1888–1939) (1881–1955) (1883–1967) (1888–1986) (1884–1978) (1883–1957) (1886–1968) (1898–1928) (1898–1972) (1878–1972) (1884–1934)

Müharibədən sonrakı dövr (1945 -indiki) Redaktə edin

Müharibədən sonrakı dövrdə, hökumət tərəfindən maliyyələşdirilən Yapon İncəsənət Akademiyası (Nihon Geijutsuin) hər ikisini ehtiva edən 1947 -ci ildə quruldu nihonqayaga bölmələr. Rəsm sərgilərinə dövlət sponsorluğu sona çatdı, ancaq özəl sərgilərlə əvəz olundu Nitten, daha böyük miqyasda. Baxmayaraq ki Nitten əvvəlcə Yaponiya Rəssamlıq Akademiyasının sərgisi idi, 1958 -ci ildən etibarən ayrı bir özəl şirkət tərəfindən idarə olunur. Tədbirdə iştirak Nitten Yaponiya Rəssamlıq Akademiyasına namizəd olmaq üçün demək olar ki, bir ön şərt halına gəldi.

Edo sənəti və müharibədən əvvəlki dövrlər (1603–1945) tacirlər və şəhər əhalisi tərəfindən dəstəkləndi. Edo və müharibədən əvvəlki dövrlərə qarşı, müharibədən sonrakı dövr sənətləri populyarlaşdı. İkinci Dünya Müharibəsindən sonra rəssamlar, xəttat və çapçılar böyük şəhərlərdə, xüsusən Tokioda çiçəkləndilər və titrəyən işıqlarda, neon rənglərində və soyuducularının çılğın templərində əks olunan şəhər həyatının mexanizmləri ilə məşğul oldular. New York-Paris sənət dünyasının bütün "izmləri" qəlbən qucaqlandı. 1960 -cı illərdəki abstraksiyalardan sonra, 1970 -ci illər 1980 -ci illərdə Ushio Shinohara'nın partlayıcı əsərlərində təcəssüm etdirilən "op" və "pop" sənət hərəkatları ilə güclü şəkildə ətirlənmiş realizmə qayıtdı. Bir çox görkəmli avanqard sənətçi həm Yaponiyada, həm də xaricdə çalışaraq beynəlxalq mükafatlar qazandı. Bu sənətkarlar əsərlərində "Yaponların heç bir şeyinin" olmadığını və həqiqətən də beynəlxalq məktəbə mənsub olduqlarını hiss etdilər. 1970 -ci illərin sonlarında Yapon keyfiyyətləri və milli üslub axtarışları bir çox sənətkarın bədii ideologiyasını yenidən qiymətləndirməsinə və bəzi hisslərin Qərbin boş formullarından uzaqlaşmasına səbəb oldu. Müasir deyim içərisində olan müasir rəsmlər, ənənəvi Yapon sənət formalarından, cihazlarından və ideologiyalarından şüurlu şəkildə istifadə etməyə başladı. Bir sıra mono-ha rəssamlar, məkan tənzimləmələrində, rəng harmoniyalarında və lirizmdə ənənəvi nüansları yenidən ələ keçirmək üçün rəsmə müraciət etdilər.

Yapon tərzi və ya nihonqa rəsm əsəri xarakterini qoruyaraq ənənəvi ifadələri yeniləyərək müharibədən əvvəlki bir şəkildə davam edir. Bu üslubda olan bəzi sənətçilər hələ də ənənəvi rənglər və mürəkkəblə ipək və ya kağız üzərində rəsm çəkirlər, digərləri isə akril kimi yeni materiallardan istifadə edirlər.

Bir çox qədim sənət məktəbləri, xüsusən də Edo və müharibədən əvvəlki dövrlər hələ də tətbiq olunurdu. Məsələn, dekorativ təbiətçilik rimpa Parlaq, saf rənglər və qanayan yuyulmalarla xarakterizə olunan məktəb, 1980 -ci illərin Hikosaka Naoyoshi sənətində müharibədən sonrakı dövrdə bir çox rəssamın işində əks olundu. Maruyama Ōkyo məktəbinin realizmi və cənab-alimlərin xəttat və spontan yapon üslubu 1980-ci illərdə geniş tətbiq edilmişdir. Bəzən bütün bu məktəblər, eləcə də Kano məktəbinin mürəkkəb ənənələri kimi köhnə məktəblər, müasir rəssamlar tərəfindən Yapon üslubunda və müasir deyimdə çəkilirdi. Yapon üslublu rəssamların bir çoxu 1970-ci illərdən başlayaraq Yapon üslubunda sənətə olan tələbatın yenidən artması nəticəsində mükafat və mükafatlara layiq görüldü. Getdikcə daha çox, beynəlxalq müasir rəssamlar, 1980 -ci illərdə Qərb üslublarından uzaqlaşarkən Yapon məktəblərindən də istifadə etdilər. Şərq və Qərbi sintez etmək meyli var idi. Bəzi sənətçilər, görkəmli rəssam Shinoda Toko kimi ikisi arasındakı boşluğu artıq atmışdılar.Onun cəsarətli sumi mürəkkəb abstraksiyaları ənənəvi xəttatlıqdan ilhamlansa da, müasir abstraksiyanın lirik ifadələri kimi həyata keçirildi.

Yaponiyada bir çox müasir rəssamlar da var ki, əsərləri əsasən anime alt mədəniyyətlərindən və populyar və gənclik mədəniyyətinin digər aspektlərindən ilhamlanır. Takashi Murakami, Kaikai Kiki studiya kollektivindəki digər sənətçilərlə birlikdə bəlkə də bunların ən məşhur və populyarlarından biridir. Əsərləri, müharibədən sonrakı Yapon cəmiyyətinin problemlərini və narahatlıqlarını ümumiyyətlə zərərsiz görünən formalar vasitəsi ilə ifadə etməyə yönəlib. Anime və əlaqəli üslublardan çox şey çəkir, lakin daha çox ənənəvi olaraq təsviri sənətlə əlaqəli mediada rəsm və heykəllər istehsal edir, qəsdən ticarət və populyar sənət və təsviri sənət arasındakı sərhədləri pozur.


Kimononun təəccüblü tarixi

Dünyanın Yaponiya ilə əlaqələndirdiyi kimono əslində XIX əsrin sonlarında mədəni bir identifikator olaraq yaradılmışdır.

İngilis dilində Kimono “ geyinmək deməkdir. ” Ancaq Yaponiya ilə əlaqəli olan hər kəsin geyimi həmişə bu adla adlandırılmırdı. Uzun tarixi geyimin şəxsiyyət hissini necə bəxş etdiyinin ən yaxşı nümunələrindən biridir.

Kimononun ilk əcdadı Heian dövründə (794-1192) anadan olub. Hər növ bədən formasına uyğun bir paltar yaratmaq üçün düz parça kəsikləri birlikdə tikilmişdir. Geyinmək asandır və sonsuz uyğunlaşırdı. Edo dövründə (1603-1868), kosode adlanan bir unisex xarici paltara çevrildi. Sözün əsl mənasında "kiçik qollar" və "#8221" kosode daha kiçik qol yuvaları ilə xarakterizə olunurdu. Yalnız Meiji dövründən (1868-1912) etibarən geyim kimono adlandırıldı. Edo dövründən müasir Yaponiyaya keçən bu son çevrilmə heyrətləndiricidir.

Iwasa Matabei tərəfindən XVII əsrin ekranı (Wikimedia Commons vasitəsilə)

1600 -cü illərin əvvəllərində İlk Shogun Tokugawa Yaponiyanı feodal şoqunluğuna birləşdirdi. 1868 -ci ildə Tokio adlandırılan Edo, indi Yaponiyanın baş şəhəri oldu. Yaranan Edo Dövrü (Tokugawa Dövrü də adlanır) 264 il davam etdi. 1603-1868 -ci illər ənənəvi Yaponiyanın son dövrü kimi tanınır. Yapon mədəniyyəti bu dövrdə heç bir xarici təsir olmadan inkişaf etdi. Kosode Yapon olmağın mənasını verən əsas elementlərdən biri idi.

Edo dövründə, kosode görünən şəkildə birləşdirən bir mədəniyyət işarəsi idi. Yaşından, cinsiyyətindən və sosial-iqtisadi vəziyyətindən asılı olmayaraq hər bir yapon geyinirdi. Nadir hallarda, bir yapon insanın xaricilərlə təmasda olduğu zaman, xaricilərin kosode geyinməməsi gözə çarpırdı. Edo kosode, buna görə də köklü bir dəyişikliyə başlamazdan əvvəl bir mədəniyyətə açılan bir pəncərədir.

Əksər cəmiyyətlər kimi, Edo dövrü də Yaponiya təbəqələşdi. Hər kəs kosode geyindiyindən və kəsik bu müddət ərzində çox dəyişmədiyindən, geyinin sahibini elan etmək üçün paltarda mesajlar işlədildi. Stil, motiv, parça, texnika və rəng kim olduğunuzu izah etdi. Onlar da tez -tez cənab qaydalarına tabe olurdular. Bu kosode ilə sənət və dizayn arasında daxili bir əlaqə yaratdı.

Kasıb siniflər paltarlarını cırtdanlara geyindikləri üçün kosodlarının demək olar ki, heç biri bütöv qalmamışdır. Ancaq cəmiyyətin daha yüksək sosial-iqtisadi səviyyələri özlərini saxlaya və qoruya və yenilərini işə sala bildi. Rəsm, şeir, keramika və lak məmulatları da daxil olmaqla digər sənət növləri kimi - estetik kanonlara bağlı kosode.

Bəlkə də ən vacib kanon, örtüyü ifadə etmək üçün açıqdan istifadə etmək idi. Naomi Noble Richard, albalı çiçəyinin sadəcə gözəl bir dizayn olmadığını, fani qadınlıq gözəlliyini simvolizə etdiyini qeyd edir, buna görə də onu kişidə deyil, qadın paltarında görməyi gözləyə bilərik. Bundan əlavə, zərif bir qadın iş üçün deyil, istirahət üçün yayda geyərdi. Bu, əksər çiçək naxışlarına aid idi.

Parça keyfiyyəti, naxış seçimi, iplik, boya, taxta blok çap və rəng, bükülmüş şəxsin dərəcəsini, yaşını, cinsini və incəliyini təqdim etmək üçün əsas meyarlar idi. Və zəriflik xüsusi əhəmiyyət kəsb edirdi. Çin və Yapon klassik ədəbiyyatından kanci (Çin simvolları) və səhnələrdən istifadə ədəbi şücaət göstərdi. Richard, məsələn, taxta bir təkərin oyanacağını izah edir Genji Nağılıvə ya hətta Nō oyunundakı bir səhnəni nəzərdə tutur (Nō oyunlarını izləmək üçün yalnız seçilmiş aristokratlar dəvət olunurdu).

Erkən müasir kosodda o qədər incəliklər var idi ki, dizayn kitabları vacib idi. Hər kəs bu Hinagata bonuna (dizayn/naxış kitablarına) müraciət etdi - sifariş verdikdən sonra tekstil dükanı sahiblərindən dizaynerlərə qədər.

Bildiyimiz ilk Hinagata bon 1666 -cı ilə aiddir və adlanır Shinsen O-Hinagata (Hörmətli Nümunələrin Yeni Seçimi). Hinagata bon, dövrün ən hörmətli sənətçiləri, ukiyo-e (üzən dünya) sənətçiləri, kosodun əsl sənət əsərləri olduğunu vurğulayır.

Hər bir fərdi geyim sahibinin biodatası idi. Eyni şəkildə, Edo kosode və Hinagata bon bir dövrün biodatasıdır. İncəsənət geyinməklə, erkən müasir yaponlar bizə öz dünyaları və xarici təsirlərdən əvvəl yapon olmağın nə demək olduğunu diqqətəlayiq bir anlayış buraxdılar.

Kimononun geyim olaraq Yapon olmağın nə demək olduğunu bu qədər ifadə etdiyini izah edir. Edo sonrası Yaponiya niyə bu qədər vacib oldu. Kosode-cum-kimono, sürətli modernləşmə və xarici təsir dövründə ənənəvi Yaponiyanın bir hissəsini yaşatdı. Meiji dövrü sadəcə olaraq onu “ geyim əşyası adlandırdı. ” Və xüsusilə qadınları geyinməyə təşviq etdilər. Bunu kontekstə qoymaq üçün, eyni zamanda, Meiji qanunu kişiləri Qərb paltarlarını geyinməyə təşviq etdi və rəsmi vəzifələrdə hökumət məmurları və hərbçilər üçün bunu tələb etdi.

Meiji dövründə Yaponiya bir çox səviyyələrdə köklü bir dəyişikliyə uğradığı üçün, kimono taxan yapon qadınlar təsəlliverici və vizual bir görüntü idi. Kimono qadın, ana və mədəniyyət qoruyucusu arasında görünən, lakin səssiz bir əlaqə halına gəldi. Bu gün də, kimono, əsas dəyişikliyindən bir az əvvəl olduğu kimi, Yaponiyanın əsas mədəniyyətini xatırladır.


Zaman keçdikcə saysız -hesabsız tarixi hadisələr əmələ gəldi və yox oldu, ancaq bəziləri yazıldı. Keçmişə & ldquo deyirikreki& rdquo və ikincisi & ldquoşi. & rdquo Qadınlara rsquos baxmayaraq & ldquo kimi mübahisəsiz varlıqreki& rdquo Yapon arxipelaqının uzun tarixində nadir hallarda & ldquo -da görünürşi. & rdquo Buna baxmayaraq, qadın və rsquos tarixinin tədqiqatçıları qadın fiqurlarını üzə çıxarmaq səyləri ilə aşağıdakı yeni sualları ortaya qoydular. & LdquoNiyə kişini qadınlardan fərqləndirməyə gəldik? Yapon cəmiyyətinin uzun tarixi ərzində necə və necə dəyişdiyini ifadə etdi.

Dövlət işləri və siyasət sahəsinə diqqət yetirərək, bu sərgi əvvəlcə cinsi bölgülərin ortaya çıxmasını araşdırır. Klassik Yapon cəmiyyəti formalaşması ilə birlikdə inkişaf etdi ritsuryō dövlətini, tərkib hissələrini & ldquomale & rdquo və & ldquofemale & rdquo -ya bölmək və bununla da onları təyin olunmuş gender rollarına həvalə etməklə. Orta əsrlərdə və erkən müasir dövrlərdə fərdi ev təsərrüfatları (yəni) siyasi məkan kimi fəaliyyətə başladı. Daha sonra, müasir milli dövlətin qurulması ilə qadınlar hökumət işlərindən tamamilə kənarlaşdırıldı. İndi bütün bu dəyişikliklərdən sonra yaranan müasir Yapon cəmiyyətində yaşayırıq. Birlikdə bu prosesin necə olduğunu araşdıraq.

Bundan əlavə, bu sərgi qadın və kişilərin işlərində və həyatlarında işıq saçır. Klassik taxta lövhələr və hörülmüş məzarlardan gil fiqurları kimi qazılmış əşyaları araşdıraraq, klassik Yaponiyada qadınlar və kişilər haqqında faktiki iş şəraiti haqqında indiyədək məlum olmayan məlumatları ortaya çıxara bilərik. Burada, orta əsrlərdə və erkən müasir Yaponiyada düyü əkilməsi, saç düzəltmə işləri və sənətkarlıq fəaliyyəti kimi əməyin müxtəlif aspektlərini araşdıraraq, kişi və qadın peşələri haqqında şəkillərimizi nə vaxt və necə inkişaf etdirdiyimizi görəcəyik.

Bundan əlavə, orta əsrlərdən müharibədən sonrakı dövrlərə qədər cinsi ticarətə diqqət yetirərək, hər dövrün cinsiyyət və sosial xüsusiyyətlərindən əhəmiyyətli dərəcədə təsirlənmiş cinsəllik tarixini araşdırırıq. İnsanlar & ldquoprostitiya qadınların ən qədim peşəsi olduğunu söyləsələr də & rdquo bu həqiqətən doğrudurmu? Fahişəlik edən qadınların gündəliklərini və məktublarını təqdim edərkən, bu sərgi, cinsiyyət bölgüsünü və kişi-qadın mövqelərini çox əks etdirən Yaponiyada cinsəllik tarixini ziyarət etməyə kömək edir.

Cins - biz şüursuz olaraq ondan formalaşmışıq. Bizə əhəmiyyətli təsir göstərən cinsiyyət tarixi sürpriz və kəşflərlə doludur. Bu xüsusi sərgi, & Yapon tarixində ldquoGender, & rdquo, ziyarətçilərə hər kəsin cinsiyyət məhdudiyyətləri olmadan sərbəst yaşaya biləcəyi bir cəmiyyəti inkişaf etdirmək üçün bir yol axtarmağı təklif edərkən, tarixin maraqlı elementlərini təqdim etməyi hədəfləyir.

Sərginin əsas məqamları

* Niyə kişi-qadın bölgüsü edirik?
Bu, Yapon tarixində & ldquogender & rdquo -nun necə yarandığını, inkişaf etdiyini və dəyişdiyini izah edən ilk sərgidir.

* Kabutozuka Tumulus ― Bənzərsiz nadir gil fiqurları!
Aşağıdakıları nümayiş etdirəcəyik!: Yaponiyada aşkar edilmiş yeganə əşyalar olan və əhəmiyyətli bir mədəni xüsusiyyət olaraq təyin olunan iki toxuculuq üslublu gil fiqurdan biri və Oturmuş Dişi Toxucunun & ldquoFiqurunun 3D şəkilləri. & Rdquo

* Böyük əşyalar ilk dəfə nümayiş olunur! Önəmli bir mədəni mülk olaraq təyin olunan Takahashi Yuichi və rsquos rəsm 《Oiran ilə yanaşı, Yeni Yoshiwara əyləncə məhəllələrindəki İnamoto Fahişəxanasının məşhur fahişələri olan Koina və Matsugae tərəfindən yazılmış fahişəlik gündəliyi və əllə yazılmış məktubları nümayiş etdirəcəyik. Qarderoblar, alətlər, məktublar və gündəliklər - Bu əşyalar bizə fahişələrin və onların kişi müştərilərinin dolanışıqlarından xəbər verir. Bu sərgi, sosial xüsusiyyətlərin araşdırılması yolu ilə cinsi ticarət üzərindəki sıxışdırıcı quruluşu ortaya qoyması baxımından çığır açır.

* Yamamoto Sakuhei və rsquos video çəkilişi də daxil olmaqla üç maddəni təqdim edəcəyik 《UNESCO və ldquoMemory of World & rdquo Qeydiyyatına daxil edilmiş ilk Yapon maddəsi olan Minaya girmək (Ana və Uşaq)》!

* Klassik dövrlərdə qadın suverenlər və qadın məmurlar norma idi, lakin Meiji Konstitusiya sistemi altında qadınlar bu sahələrdən tamamilə kənarlaşdırıldı. İndi indiki Yaponiyada nə görürük? Bu sərgidə kosmosa xüsusi diqqət yetirərək siyasət və cinsiyyət tarixini açacağıq.

Klassik Yapon Cəmiyyətində Cins

Keçmiş Yapon cəmiyyətində kişi və qadın cinsi bölgüləri birmənalı olmadıqda, insanlar qrup halında işləyirdilər, xərac olaraq mal təklif edirdilər və cəmiyyət ayinlərində iştirak edirdilər. Kişilər və qadınlar, cəmiyyətin müxtəlif səviyyələrində, mərkəzi başdan yerli hakimiyyət sahiblərinə qədər liderlik rolunu oynadılar. Sonra, kişi və qadın rollarının necə və nə vaxt ifadə edildiyini düşünməliyik. Siyasi məkanları və yerli icmaları təhlil edərək. Gəlin, qadın və kişilərin iş birliyini araşdıraq və cinsi bölgülərin getdikcə daha çox təşkilatlandığı prosesi görək.

Əhəmiyyətli Mədəni Əmlak
Oturmuş qadın toxucunun gil şəkli
Tochigi prefekturasındakı Kabutozuka tumulusundan çıxarılmışdır
Sonuncu 6 -cı əsr
Shimotsuke Şəhər Təhsil Şurasına məxsusdur

Əhəmiyyətli Mədəni Əmlak
Ihokibe no Tokotarihime Cinerary Urn
710 (Wadō 3)
Tokio Milli Muzeyinə məxsusdur
Şəkil: TNM Şəkil Arxivləri

Shōsōin Arxivləri
Taihō 2 Mino Province Kamo District Hafuri Residence Unit Register (Reproduksiya)
710 (Taihō 2)
Yapon Tarixi Milli Muzeyinə məxsusdur

Orta əsr Yaponiyada siyasət və cinsiyyət

Qadın xidmətçilər (nyobo) bir suverenə, yaxın ailə üzvlərinə və yüksək rütbəli aristokrat ailələrə yaxından xidmət edən aristokrat qadınlar idi. Heian Yaponiyada nyobo kimi xidmət etməyə mənfi baxma meyli var idi. Belə bir tendensiya, Heian dövrün sonlarında və sonrakı dövrlərdə, idarəetmə səlahiyyətinin və gücünün bir suveren və onun yaxın ailə üzvləri də daxil olmaqla müxtəlif qurumlar və ayrı -ayrı qruplar arasında bölüşdürüldüyü zaman dəyişdi. Bu dəyişikliyin yanında, nyobo xidməti, ailələrinin siyasi statusunu və iqtisadi bazasını təşviq etməyin yollarından biri olaraq kişi saray xidmətçilərinə bənzəyir. Xüsusilə Kamakura dövründən etibarən, qadın xidmətçilər tərəfindən "kral mesajları və əmrləri ötürmə" mexanizmi, böyük təqaüdçü suveren tərəfindən idarə olunan və ya suveren tərəfindən nəzarət edilən kimi, dövrün mandat sisteminə daxil edilmişdir. Muromachi və Sengoku dövründə, nyobo hosho, qadın xidmətçilərin hökmdarın istəklərini çatdıran məktubları, rəsmi sənədlər kimi tez -tez istifadə olunmağa başladı.

Mühüm Mədəni Varlıqlar Kōzan Manastırı Arxivi
Minamoto no Yoshitsune məktubu
1185-ci ilin altıncı ayının iyirmi səkkizinci günü (Genryaku 2)
Yapon Tarixi Milli Muzeyinə məxsusdur

Orta əsr məişət və din

Orta əsr Yaponiyada sosial statusdan və sinifdən asılı olmayaraq patrilineal "ev təsərrüfatları" (yəni) formalaşmışdır. Bu arada, evli bir cütlüyün əlaqəsi və arvadın rolları olduqca əhəmiyyətli hala gəldi, dul qadınlar, ərlərini yas saxlayan və uşaqlar üzərində səlahiyyətlərini qoruyan ailə nümayəndələri olaraq cəmiyyət tərəfindən tanındı. Tədricən məhdudiyyətlərlə üzləşsələr də, orta əsr Yapon qadınlarına mülk sahibi olmaq və idarə etmək icazəsi verildi. Yazılı və vizual əsas mənbələri yaxından təhlil edərək, bu sərgi, güclü dini təsirlərə sahib olan qeyri -sabit bir orta əsrlər cəmiyyətində iqtisadi nüfuz sahibi olan qadınların ailələrinin Buddist ayinlərini yerinə yetirmək, sədaqətlərini dərinləşdirmək və müstəqil olaraq dini fəaliyyətlə məşğul olmaq vəzifələrini necə öz üzərinə götürdüyünü ortaya qoyur.

Shizuoka Şəhəri Mədəni Mülkiyyət
Rahibə Jukei'nin qırmızı möhür məktubu
1528 (Kyōroku 1)/10/18
Şizuoka şəhərinin sahibi

Əhəmiyyətli Mədəni Əmlak
Jizo Bosatsu (Bodhisattva) Daimi Heykəli
1334 (Kenmu 1)
Yapon Tarixi Milli Muzeyinə məxsusdur

Əhəmiyyətli Mədəni Əmlak
Jizō Bosatsu (Bodhisattva) Daimi Heykəlinə Yerləşdirilən Cisimlər (Xüsusi Dua, Dırnaqlar və Saçlar)
1334 (Kenmu 1)
Yapon Tarixi Milli Muzeyinə məxsusdur

Əhəmiyyətli Mədəni Əmlak
Jizō Bosatsu (Bodhisattva) Daimi Heykəlinə Yerləşdirilən Nəsillər (Çap olunmuş Buda Şəkli)
1334 (Kenmu 1)
Yapon Tarixi Milli Muzeyinə məxsusdur

İşdə və Həyatda Cins-Orta əsrlərdən Erkən Müasir Dövrə qədər-

Kişi və qadın arasında iş bölgüsü haqqında anlayışımız zamana və cəmiyyətə görə əhəmiyyətli dərəcədə dəyişir. Məsələn, orta əsr Yaponiyada bir çox qadın ticarət və sənaye sahələrində iş sahibi olaraq çalışmış və karyeralarını inkişaf etdirmişdir. Beləliklə, müəyyən bir sosial tanınma səviyyəsinə çatdılar. Erkən müasir dövrlərdə, cəmiyyətin daha çox kişi mərkəzli qaydalar və fikirləri özündə cəmləşdirmək üçün yenidən qurulduğu üçün qadınlara tam hüquqlu peşəkarlar kimi baxılmağı dayandırdı. Çin Qitəsindəki və Yapon arxipelaqının şimal bölgələrindəki bölgələr kimi digər Şərqi Asiya vəziyyətləri ilə müqayisə edərək, əmək bölgüsündə əhəmiyyətli cins müxtəlifliyinin mövcud olduğunu göstəririk. Bu tarixi və regional müxtəlifliyə diqqət yetirərək, "ümumi biliklərimizi" relyativist baxımdan nəzərdən keçirməyi hədəfləyirik.

Donja (Köhnə Qatlı Patchwork Bezin Yuxu xalatı)
19-20 əsrlər
Əyləncə Muzeyi, Tanaka Chūzaburō Kolleksiyası

Higashiyama'nın məşhur səhnələri (qatlanan ekranın 2 -ci paneli) (Qismən)
Son 16 -cı əsr
Yapon Tarixi Milli Muzeyinə məxsusdur

Saç Geyinmə
Fotonun müəllifi F. Beato
1863 (Bunkyū 3)
Naqasaki Universiteti Kitabxanasına məxsusdur

Qadınlar və saç düzümü
Fotonun müəllifi F. Beato
1863 (Bunkyū 3)
Naqasaki Universiteti Kitabxanasına məxsusdur

Ayrılıqdan İstisnaya-Siyasi Məkanlar və Cinsin Erkən Müasir və Müasir Zamanlarda Çevrilməsi-

Eda Qalasının siyasi məkanında və domen lordlarının (daimyo) iqamətgahlarında qadınların "bəzəkli və oku" (ön və arxa) və ya "ictimai" arasındakı erkən müasir fərqlərə əsaslanaraq arxa planda saxlanıldığı düşünülürdü. və özəl ". Bununla birlikdə, son araşdırmalar, qalanın quruluşunun təntənəli bir məkan olaraq xidmət edən cəbhəyə aid bir ictimai sahədən deyil, həm də arxa tərəfdəki həm gündəlik idarə işlərinin olduğu xüsusi bir sahədən ibarət olduğunu ortaya qoydu. Shogun və ya bir domen ağası həyata keçirildi və arvadların və saray qadınlarının yaşadığı və kişi məmurların işlədiyi yer. Bu cür yeni tədqiqatlar, şoqun və ya domen lordunun arvadlarının və saray qadınlarının siyasi funksiyalarına işıq salır. Müasir dövrdə, Meiji Konstitusiya sistemi qadınların bu cür ev quruluşunun bir hissəsi olaraq yerinə yetirdikləri bu siyasi funksiyanı rədd etdi və nəticədə qadınlar siyasi məkandan qovuldu.

Qısa qollu Kimonoşam, üzüm, aslan və su axını nümunəsi ilə
Sonrakı Edo dövrü
Yapon Tarixi Milli Muzeyinə məxsusdur

Qərb qala birləşməsinin təsvirli xəritəsi
(Tikinti və Təmir Qrupuna Nəzarət edən Suzuki Ailəsinin Arxivi)
1852 (Kaei 5)
Yapon Tarixi Milli Muzeyinə məxsusdur

Gizli Şuranın Üçüncü Məsləhətçi Orqanının Protokolları
1889 (Meiji 22)
Yapon Tarixi Milli Muzeyinə məxsusdur

Cinsi Ticarət və Cəmiyyət

Cins ticarəti əsasən hər dövrün cinsiyyətinə və sosial xüsusiyyətlərinə görə formalaşır. Qədim Yaponiyada fahişəlik peşəkar bir peşə olaraq heç vaxt inkişaf etməsə də, fahişələr əyləncə və cinsi xidmətlər göstərərək matrilineal ailələr və peşəkar truppalar qurduqları üçün orta əsrlərdə bir ev işi halına gəldi. Erkən müasir dövrlərdə, şogunat statusu qrupu olaraq tanınan fahişəxana sahiblərinin fahişəlik yolu ilə aldıqları qadınları məcbur etdiyi bir sistemi rəsmi olaraq təsdiqlədi. Müasir Yaponiyada iqtisadi cəhətdən basqın bir fahişəlik sistemi cəmiyyətə nüfuz etdi. "Özünü satmaq" bəhanəsi ilə bu sistem qadınları hökumətin nəzarəti altında fahişəlik etməyə məcbur etdi. Bu bölmə həm fahişələrin səslərini, həm də xidmətlərini satın alan kişilərin vəziyyətlərini təhlil edərək, cinsi ticarətlə cəmiyyət arasındakı əlaqəni araşdırır.

Erkən müasir sənətkarların və sənətkarların şəkil vərəqləri c
Aşağı Həcm (Qismən)
Rəsmlər: Kuwagata Keisai
Mətnlər: Santō Kyōden
Bunka dövründə
Tokio Milli Muzeyinə məxsusdur

Əhəmiyyətli Mədəni Əmlak
& ldquoBeauty (Oiran) və Takahashi Yuichi tərəfindən rdquo Yağlı Boyama
1872 (Meiji 5)
Tokio İncəsənət Universitetinə məxsusdur

İnamoto Fahişəxana Fahişi, Üçüncü Koina
1863 (Bunkyū) 3
Suzaka Şəhər Arxivinə məxsusdur

Oboechō, Fahişə Sakuragi və rsquos Gündəliyi (Umemotoki cild 3, Kanō Kolleksiyası)
1846 (Kōka 3)
Tohoku Universitet Kitabxanasına məxsusdur

Kiyosadar Fahişəxanasında Fahişələrin Gündəlik Təchizatı (Yuyucu Alətlər)
Taisho-Shwa dövrləri
Osaka İnsan Haqları Muzeyinə məxsusdur

Gündəlik Həyatda və İşdə Cins-Müasirdən Çağdaş Yaponiyaya-

"İşçi", "siyasətçi", "bürokrat" və ya "mütəxəssis" kimi sözlərlə hansı şəxsi obrazları əlaqələndiririk? Müharibədən əvvəlki Yapon cəmiyyətində bu rollar yalnız kişilərlə məhdudlaşırdı və hətta ixtisas imtahanlarında da bir gender maneəsi quruldu. Cinsiyyət baxımından, müasir dövr, qadınların müxtəlif yerlərdən kənarlaşdırıldığı və bol imkanlara baxmayaraq görünməz hala gətirildiyi bir dövrdür. Bu təriqətdə, müasir sistem daxilində, peşə ilə əmək arasındakı əlaqəni yenidən nəzərdən keçirərkən, qadınların hətta xüsusi peşələrdə belə "qadınlıq" nümayiş etdirmələri tələb olunduğunu araşdırırıq.

Minaya girmək (Ana və Uşaq) - UNESCO & ldquoDünyanın Xatirəsi & rdquo (Yamamoto Sakuhei & rsquos Video Qeyd)
Təxminən 1899 (Meiji 32)
Tagawa Şəhər Kömür və Tarix Muzeyinə və Yamamoto Ailəsinə məxsusdur

Kişilər və Qadınlar bərabər əmək haqqı alsalar… & rdquo Əmək Nazirliyinin Qadınlar və Yetkinlik yaşına çatmayanlar Bürosu nəzdində Qadınların Əmək Bölümü.
1948 (Şüvə 23)
Maryland Universiteti Gordon W. Prange Kolleksiyasına məxsusdur

& ldquoNew Board Oyunu: Müasir Kişi və Qadınlar üçün İki Həyat Yolu & rdquo by Kiyotaka Kataburi, Əlavə Ədəbiyyat Klubu [Bungei Kurabu] 13, yox. 1, 1907 [Meiji 40] Hakubunkan)
Yapon Tarixi Milli Muzeyinə məxsusdur


Yapon Vizual Sənətləri


Çin rəssamlıq üslubu Yapon rəssamlığının erkən inkişafında təsirli idi, lakin xüsusilə 14 -cü əsrdən sonra Yapon rəssamlığı müxtəlif yollarla inkişaf etdi. Bu fərqlər, 17-19-cu əsrlərdə Yaponiyanın özünü xarici dünyadan təcrid etdiyi zaman özünü büruzə verdi.

Yapon rəssamı, rəssamdan və mövzudan asılı olaraq, Çin rəsmindən daha çox mücərrəd və daha təbii görünürdü. Yapon üslubu daha çox spontanlığa və fərdiliyə imkan verdi. Yapon mənzərələri və panoramik sürüşmə rəsmləri, Çin rəssamlığı kimi dəyişən bir perspektivə malik olsa da, bir çox əsər daha açıq perspektiv və işıq effektlərinə imkan verən daha yaxın və məhdud mövzulara yönəlmişdir. Fərdi portretlər, gündəlik həyat səhnələri, bitki və heyvan araşdırmaları edildi və bu görüntülər kortəbii və fərdiliklə işləndi. Daha dekorativ Çin estetikasından fərqli olaraq, Yapon üslubu, əsas mövzulara ayrılmağa, müəyyən bir mövzunun əsas formasını və xüsusiyyətlərini ələ keçirməyə çalışır. 19-cu əsrdə qərblilərə əsasən ağac kəsmə üsulları ilə tanınan Ukiyo-e adlı bir rəsm üslubu, mənzərə, portret və digər mövzularda xətdən və rəngdən istifadə etməyin çox fərqli, dramatik yollarını inkişaf etdirdi. Ukiyo-e izləri Qərb sənətçilərinin yaradıcılığına əhəmiyyətli təsir göstərdi.

Yaponiyanın bir ada olması, vizual fikirlərin orada inkişaf etməsinə də kömək etdi. Açıq şəkildə məhdud bir yer və onu yaxşı idarə etmə ehtiyacı ilə, Şinto və Buddist təbiət sevgisindən istifadə olunur. Sınırsız səhra olmadığı üçün çölün mahiyyəti axtarılır. Yaşıllaşdırma və bağçılıq sənəti yüksək səviyyədə inkişaf etmişdir ki, diqqətlə hazırlanmış qeyri -rəsmi razılaşmalar təbiətin mahiyyətinin ələ keçirildiyi və əhliləşdirildiyi "təbii" mühitlərin illüziyasını yaradır. Eyni şəkildə, ayrı-ayrı çiçəklər, ağaclar, digər bitkilər və ya heyvanlar, hətta böcəklər- bütün bunlar hər seçilmiş obraza bağlı olan qədim simvolizm kontekstində rəssam tərəfindən təcrid olunur və qeyd olunur. Bu keçid sizi təbiətdən ilham almış bir sıra möhtəşəm kimonolar hazırlayan şibori ustası Itchiku Kubotanın gözəl müasir əsərlərindən ibarət bir sərgiyə aparacaq. Art Nouveau üslubunun inkişafında yapon rəssamların dekorativ dizayn və rəngləmə işlərində təbii formalardan istifadə etməsinin əhəmiyyəti vardı.


Memarlıq həm də Çin təsirləri ilə Yapon yeniliklərinin qarışığıdır. Ənənəvi memarlıq üsulları Çin ağacdan tikmə üsullarına əsaslanır. Çin təsirini ən aydın şəkildə Nara dövründən (8 -ci əsr) qalan böyük quruluşlarda görmək olar. Yapon memarlığı, digər sənət növləri kimi, səthi bəzəməkdən daha çox forma ilə məşğuldur. Kamakuradakı bu məbəd, XIII əsrdən qalma Yapon memarlığının nümunəsidir. Yapon xarici və daxili hissələri, bəzək və mebel əşyaları ilə məhdudlaşan məkanı və formasını vurğulayır. Yapon evlərinin asimmetrik, çox məqsədli düzülüşü və çərçivə və divar lövhələri ilə yaradılan sadə düz xətlər erkən modernist memarlar, xüsusən Frank Lloyd Wright, de Stijl və Bauhaus dizaynerləri üzərində təsirli idi. Yapon memarlıq və mebel formaları da İngiltərədə İncəsənət və Sənət üslubunun erkən inkişafında bir faktor idi.

Wright, Yaponların mənzərə ilə məşğul olmasından və memarlığın landşaftın bir uzantısı olaraq dizaynından da təsirləndi. Bu, onun yaradıcılığının vacib bir xüsusiyyəti oldu.

19 -cu əsrin sonlarında bir çox Avropa və Amerika rəssamına təsir edən Yapon rəsmləri və əsərləri, xüsusən də Hiroshige ağacından kəsilmiş əsərlər. Şaraku kimi digər nəşriyyatçılar aktyor və teatr personajlarının portretləri ilə tanınırdılar. Yapon çapından ilham alanlar arasında diqqət çəkənlər Edouard Manet, Vincent van Gogh və James MacNeil Whistler idi. Neytral fonların istifadəsi, qeyri -adi perspektivlər və formaların sadələşdirilməsi Manet və Whistler üçün xüsusi əhəmiyyət kəsb edirdi. Van Gogh, Yapon ağac kəsmə üsullarını və toxumalarını da kopyaladı. Yapon rəssamlığı, xüsusən mürəkkəb boyama, John Marin kimi çoxsaylı Qərb akvarel sənətçilərini təsir etdi. Yaponiya və Qərbin qarşılıqlı təsirləri haqqında daha çox məlumat istəyirsinizsə, bu linki sınayın.


Mədəni Zəka: Yaponiyada Yemək Sənəti

(Şəkil: ninekrai/Shutterstock)

VII əsrə qədər yaponlar barmaqları ilə yemək yeyirdilər. Buddizmlə yanaşı, Çindən də çubuq təqdim edildi və yemək adətən ağız ölçüsündə və ya bəzən daha böyük ölçüdə kəsiləcəkdi. Nədənsə, qaşıqlar tutmadı və yaponlar ümumiyyətlə qabdan yudumladılar. Bir lak qab, şorba içmək və bento qutuları hazırlamaq üçün ənənəvi olaraq qalır. Seramik qablar ümumiyyətlə düyü və garnitür kimi digər qidalar üçündür.

Hər bir fərdin öz çubuq dəsti olardı. (Şəkil: iPortret/Shutterstock)

Hər bir fərdin öz çubuq dəsti olardı. Şəxsi çubuqlarınızla yemək yeməməyiniz üçün ayrı yeməklər istifadə edildi. Ədəb və ədəbə eyni diqqət burada təxminən eyni vaxtda və ya bir qədər əvvəl olmasa da, Qərbdəkindən fərqli olaraq ortaya çıxdı, amma açıq şəkildə çox fərqli nəticələrlə. Ümumi yeməkləri öz tüpürcəyi ilə çirkləndirməyin bənzər bir qarşısını almaq da gigiyenik bir narahatlıq deyil, daha çox Şintoizmdən gələn təmizlik və çirklənmə fikirləri ilə əlaqədardır.

Digər unikal xüsusiyyət, əvvəlcə stulların olmaması idi. Yeməkçilər birbaşa taxta döşəmədəki tatami döşəməsinə oturdular və bir qabdan içmək kimi, hər şeyi daha yavaş və metodik şəkildə etməyə məcbur edir. Belə yeməkləri tez yemək təhlükəli olardı. Adətən qabı dodaqlarınıza yaxınlaşdırırsınız və çubuqlarla yeməyi ağzınıza aparırsınız. Bu, nəzakətli sayılır, həqiqətən də boşqabı götürə bilməyəcəyiniz Qərbdən fərqli olaraq, ağzınıza gətirdiyiniz zaman yeməyin qalstuka tökülməsi daha yaxşıdır. Yeməklər kiçik taxta masalar üzərində qurulur və hər şey bir anda çıxarılırkən, başqalarına yol verməzdən əvvəl müəyyən qidalarla başlayırsınız. İsti yeməklərin tez -tez hər birinin üstündə kiçik örtüklər olurdu ki, onları isti saxlasınlar, bəzən qapaq rolunu oynayan başqa bir çevrilmiş qabdır. Daha sonra açıb ikinci qab kimi istifadə edə bilərsiniz.

Yapon ənənələrinin yaranması

Yəqin ki, ən ritual mərasim çay içməkdir. çadō .

XVI və XVII əsrlərdə, xüsusən də samuray sinfi arasında, çox ehtimal ki, eyni zamanda Qərbdəki zadəganlar arasında inkişaf etdirdikləri çox formal və rituallaşdırılmış davranışlar: Anlaşılmazlığın və şiddətli partlayışların qarşısını alırsınız. Unutmayın ki, hər kəs silahlıdır, amma masada rituallaşdırılmış bir barışıq var. Ən ritual mərasim çay içmək idi. çadō.

Çayın özü Çindən gələn Buddistlərlə birlikdə gəldi, amma nədənsə orta əsrlərdə xeyirdən düşdü və yenidən populyarlıq qazandı. Bu, adətən Çində olduğu kimi qara mayalanmış çay yarpaqları deyil, toz şəklində yaşıl çaydır. Bu gün yaşıl yarpaqlı çay və ya sen-cha daha populyardır və hazırlanması da bir az daha asandır. 16 -cı əsrdə Zen fəlsəfəsini əks etdirmək üçün hazırlanmış bir mərasim var: Bu sənət, memarlıq, bağçılıq, sənətkarlıq və yeməklərin bütün estetik təcrübəsini yaratmağa çalışdı. Mərasimlə birlikdə gedən rəsmi bir bayram var kaiseki-ryori- və kursların ciddi qaydası. Xarici təsirlərə bu qədər açıq olduqdan sonra Yaponiyanın birdən -birə bağlanması ilə bağlı təfərrüatlar maraqlıdır. Portuqallar Yaponiyada ticarət məntəqələri quran ilk avropalılar idi.

Kaiseki çox kurslu menyu (Şəkil: Omongkol/Shutterstock)

Əvvəlcə yaponlar, desert hazırlamağa başladıqları, sarı tort yeməyə başladıqları Avropa yeməklərini məmnuniyyətlə qəbul etdilər.

Özləri ilə Cizvit missionerlərini gətirdilər. Əvvəlcə yaponlar, desert hazırlamağa başladıqları, sarı tort yeməyə başladıqları Avropa yeməklərini məmnuniyyətlə qəbul etdilər. Var ki Cənub Barbar Kılavuzu- Avropalılara istinad edərək - ehtimal ki, 17 -ci əsrin əvvəllərində bütün bu Portuqal reseptlərini qeyd edir. Sonra, 1639 -cu ildə Tokugawa Shogunate, bütün bu təmasların Yaponiyanı müstəmləkə etmək üçün bir bəhanə olduğunu hiss etdi - bəlkə də doğrudur - Xristianlığı qadağan etmək, Portuqalları qovmaq və özünü dünyanın qalan hissəsindən təcrid etmək qərarına gəldi. Yalnız Hollandiyalıların, əsasən gümüş və Yapon məhsullarını götürdükləri Naqasaki yaxınlığındakı kiçik bir adadan ticarət etmələrinə icazə verildi, lakin bir çox Qərb məhsulu idxal etmədilər. Bu embarqo 19 -cu əsrin ortalarına qədər davam etdi.

Nəticə budur ki, bu dövrdə Yaponiya, Edo (böyük şəhərin adını daşıyır), sənəti, ədəbiyyatı və mətbəxi tamamilə tək başına inkişaf etdirdi, sabitlik, sülh və mədəniyyətin əsl çiçəklənməsi oldu.

Ən çox klassik Yapon yeməklərinin hazırlandığı vaxtdır. Tacirlərin, biznes növlərinin və sənətkarların böyük və varlı bir orta təbəqəsinin olduğu, zəngin, əsasən şəhərli və inkişaf etmiş bir mədəniyyətdir. İmperator bu dövrdə hakimiyyətə malik olan əsl deyildi. Ölkəni idarə edən döyüşçü elitalar - şoqunlar idi və saray rituallarını inkişaf etdirdilər. Döyüş sənətləri ilə məşğul oldular, hökuməti idarə etdilər və əyləndilər.

Siyasi, iqtisadi cəhətdən hökm sürsələr də, bu dövrdə ticarətçi sinif əhəmiyyətli qüvvə idi. Edo, Osaka, Kyoto kimi şəhərlərdə yaşadıqları tez -tez yedikləri pula sahib idilər və restoran dediyimiz yerə yemək yeməyə getdilər. Əminəm ki, bu, bəzəklərin, yeməklərin, ümumiyyətlə bir restorana bağlı olan bəzək bağlarının gözəlliyini vurğulayan ilk restoran əsaslı yemək mədəniyyəti idi. Onların təşviqi müştəriləri cəlb etmək üçün yenilik etmək idi. Nəhayət icad etdikləri, bu gün ən ənənəvi Yapon yeməklərinin əsasını təşkil edən Yapon yüksək mətbəxi idi. Edo dövründəki bu restoranlar, təbii, təsirlənməmiş və təsadüfi olaraq vurğulayan təqdimata və fəlsəfəyə çox diqqət yetirirdi.

Yapon Yer Sənəti

Yemək heç vaxt simmetrik olaraq təqdim edilmir, bu süni bir quruluşdur. Qərbdə garnitürlə birlikdə tapdığınız bir plaka üzərində hər cür müxtəlif yeməklərdən qaçınılır. Əslində boş yer daha yaxşıdır və bir hissəyə bir yemək qoyulur ki, buna diqqət yetirəsiniz və boş yerin və işğal olunmuş yerin nisbətinin açıq şəkildə zəruridir. Yaponların da qablaşdırma mövzusunda bir vəsvəsəsi var: Təqdim və bükülmə üsulu da daxil olmaqla, hər cür gözəl təbəqələrin açılması və açılması prosesi, amma yeməyin necə açıldığı da. Hamısını birdəfəlik vermək istəmirsiniz - bir şorba qabının dibində və ya yeməyin altında kiçik sürprizlər olmasını istəyirsiniz.

Yapon mətbəxi, yeməklərin təqdim edildiyi qabların ölçüsünə, formasına və rənginə ən çox diqqət yetirən mətbəxdir. Qərbdə, bütün yeməklərin eyni olacağını gözləyirik - ehtimal ki, ağ - və hamı eyni qabı alır. Sənaye estetikası, müntəzəmliyi və eyni zamanda çox demokratikdir. Bir restorana gedib bir nəfərə böyük bir boşqab, digərinə kiçik bir qab alsanız ədalətsiz görünər. Ancaq Yapon mətbəxində, qablar, xidmət qabları, yeməyin toxunma və hiss keyfiyyətini diqqətlə artırmaq üçün seçilir. Fərqli formalarda, ölçülərdə və rənglərdə olmaları çox yaxşıdır. Bir insanın əli ilə qabı meydana gətirməsi bilikləri, maşın üzərində möhürlənmiş adi formadan daha qiymətlidir. Yaponiya, dulusçularını və sənətkarlarını milli həyat sərvətləri edən bir ölkədir, buna görə də əl istehsalı əşyalar həqiqətən hörmətə layiqdir. Əsl raku çay qabı minlərlə dollara və ya əl istehsalı kağız, ipək kimono və ya əllə yazılmış məktublara başa gələ bilər. Ustadın və aşpazların bacarığı buna tamamilə daxildir - ən azı bu dövrdə Qərbdən daha yüksək qiymətləndirilir.

Vizual cazibə demək olar ki, hər hansı bir mətbəxdən daha vacibdir: Rəngə, forma, əşyaların boşqabda necə oturduğuna, ümumi dizayna diqqət yetirmək.

Bu titiz tənzimləmənin bir başqa xüsusiyyəti də fərqli hisslərə verilən diqqətdir. Vizual cazibə demək olar ki, hər hansı bir mətbəxdən daha vacibdir: Rəngə, formaya, əşyaların boşqabda necə oturduğuna, ümumi dizaynına, həm də ağzınızdakı yeməyin toxumasına diqqət yetirin. Xırtıldayan, ləzzətli və ya çeynənəndir? Ağzınıza gətirdiyiniz zaman ətir burnunuza girərmi? Bir yeməyin yeməkxanada nə cür xatirələr və ya ünsiyyət qura biləcəyinə də diqqət yetirilir: Türkiyəni Şükran günü və ya Pasxa bayramı ilə əlaqələndirə biləcəyimiz qədər ilin müəyyən bir yeri və ya bir bayramı və ya bayramı ilə. şüurlu şəkildə yaradılan daha konkret birliklər. Payız, oğlan günü və ya buna bənzər bir şeylə əlaqəli olduğu üçün bir yeməkdə qruplaşdırılmış bir çox yemək ola bilər.

Qərb mətbəxlərindən və ya digər Asiya mətbəxlərindən fərqli olaraq, yaponlar mürəkkəb ləzzət və toxumaların birləşməsindən daha çox tək tərkib hissələrini yüksək qiymətləndirirlər və buna görə çox minimalist bir şey var, buna görə yemək (və bu mövzuda sənət) Qərblilər üçün çox cazibədar olmuşdur. daha sonra və ya daha yaxınlarda. Pişirmə texnikası da çox sadədir. Pişirilirsə, dəqiq bir müddətdə, ümumiyyətlə bir soba üzərində hazırlanır. Yemək bişirmək və ya qızartmaq çox deyil, kiçik parçalara bölünür, belə ki, daha tez və bərabər şəkildə bişirilir və heç vaxt masada iti bir şeyə ehtiyacınız yoxdur. Demək olar ki, bütün yeməklər buxarda, qızardılır və ya qızardılır.

Bento qutusu

Bento qutusu əslində Yapon yeməklərindən biridir. (Şəkil: hlphoto/Shutterstock)

Bento qutusu, Yapon yeməklərinin ən əsasıdır. Bir qutuda olan zərif miniatür nahar. Özündə düyü var, ancaq bir az ızgara balıq, bir karides, bəzi turşu, bəzi soyuq salatlar gobo kökü və ya dulavratotu ola bilər. şiso yarpaq və bir az meyvə var. Hər bir əşya yolda yeyilmək üçün qarışdırılmaması üçün öz sənət bölməsində təqdim olunur. Bunun ABŞ -dakı bir sendviç və ya fast food yeməyimizdən nə qədər fərqli olduğunu düşünün. Sürətli, lakin vahiddir: Hamısı bir yerə yığılmış, duzlu, yağlı və ketçupla yağlanmışdır, elə deyilmi? Bento qutusu ayrıdır və hər bir ləzzət və toxuma, istəsəniz bir qutuda kiçik bir ziyafət kursunda öz miniatür epizodudur.

Bento qutusu və bütün digər Yapon yeməkləri əlbəttə ki, sənayeləşmə ilə dəyişdi. Ancaq hələ də bu dövrün orijinal estetikasından bir şey saxlayırlar. Yapon mətbəxinin 20 -ci əsrdə Qərb mətbəxinə bu qədər böyük təsir göstərməsi təəccüblü deyil.

Yaponiyada yemək sənəti haqqında ümumi suallar

Ümumi bir Yapon yeməyi bir fincan düyü, balıq və ya ət, turşu tərəvəzlər və bir fincan miso şorbasından ibarət olacaq.

Sushi/sashimi Yaponiyada indiyə qədər ən populyar yeməkdir və ramen saniyəyə yaxınlaşır. Hər ikisi də bir çox dəyişikliyə sahibdir.

Yüksək səviyyəli restoranlar olan Kaiseki, xüsusi otaq yeməkləri və kappo kimi yüksək mətbəx Edo dövründə çiçəkləndi və inkişaf etdi. Bununla birlikdə, dövrün küçə yeməkləri, getdikcə artan bir əhaliyə yeməyə hazır yemək təqdim edən mobil tezgahlar olan yatai ilə bağlı bir vəsvəsə ilə köklü yeni bir xarakter aldı.

Edo mətbəxinin dördüncü kralı və#8221 əslində barmaq qidaları idi. Şirin soya sousu, dəniz məhsulları tempurası (hələ də dəlicəsinə olan) daldırma sousu, soba əriştə və köftə ilə bişirilmiş ilan balığı və dünyaya suşi olan ən böyük hədiyyə idi. Sushi, indi nigiri olaraq tanıdığımız bir növ olaraq Edo dövründə doğuldu.


Oyun sənəti: Yaponiyanın əyləncə tarixi

Qədim yunan şairi Ovid yazır ki, necə oynadığımız, hansı insan olduğumuzu ortaya qoyur. Oyunu bir sənət növünə çevirən qədim zamanlarda yaponlara necə baxardı?

Suntory İncəsənət Muzeyində “ Oyun Stilləri: Sənətdə Əylənmə Tarixi ”, Muromachi Dövründən (1392-1573) Edo Dövrünə (1603-1868) qədər müxtəlif eksponatlarla müxtəlif əyləncələrə girir. Günün əyləncələrini əks etdirən rəsm əsərləri və digər sənət əsərləri, həmçinin oyun üçün istifadə olunan bəzi orijinal əşyalar da daxil olmaqla 100 -dən çox eksponatı bir araya gətirir.

İl boyu fərqli istirahət növlərindən zövq alan insanlar Yapon rəssamlığının klassik Yamato-e üslubunun məşhur mövzusu idi. “Customs Month by Month, ” bir Edo Period altı panelli qatlama ekranı, məsələn, yazda albalı çiçəklərindən zövq alanların və bir yay festivalında rəqs edənlərin səhnələrini ehtiva edir.

Sərginin əvvəlində geyik dərisindən hazırlanmış futbola bənzər bir top nümayiş olunur. Adlı oyunda istifadə olunur kemari, mümkün qədər uzun müddət oyunçular tərəfindən havaya qaldırılacaqdı. Murasaki Shikibu'nun məşhur "Genji Nağılı" nı əks etdirən şəkillər albomundan bir səhnədə, bir zadəgan qadın onları bambuk ekran arxasından gizlincə seyr edərkən, bir qrup məhkəmə məmuru oyuna qarışdı. Albom Sumiyoshi Jyokei tərəfindən çəkilmiş və 17 -ci əsrdə Sono Motoyoshi tərəfindən yazılmışdır.

Yaponiya, Çindən taxta oyununu qəbul etdi və xüsusilə təsir edici bir Edo Period go board sərgiyə daxil edildi. Zövqlə bəzədilib maki-e lak, qara və qızıldan kran, bambuk və çam ağacı motivləri ilə Horai Dağı dizaynına malikdir. Çində xəttatlıq, mürəkkəb boyama, musiqi və gediş bacarıqları mədəni bir həyatın ayrılmaz bir hissəsi olaraq qəbul edildi və "dörd incəsənət" olaraq bilinməyə başladı. ” , bu fəaliyyətləri davam etdirən cənabları təsvir edir.

Yaponiyada rəssamların çəkdiyi dörd sənət mövzusuna nümunə, Kaiho Yushonun 17-ci əsrə aid əsəridir. Yaponiyada dörd sənət əsəri, Çinlilərdir qinpopulyarlığına baxmayaraq, getdikcə stolüstü oyunu oynayan insanların təsvirləri ilə əvəz olunduqda, bir növ zit növü şamisenlərlə əvəz edildi. sugoroku.

Sugoroku, Misirdə yaranan və Avropaya, sonra Asiyaya yayılan nərddən qaynaqlanır. Qara və qızıl maki-e rəngli, bir cüt zar və zar tutucusu olan bir Edo Dövrü sugoroku lövhəsinin gözəl bir nümunəsi də nümayiş olunur.

Əslən Portuqaliyadan gətirilən kart oyunları, 16. əsrin ortalarından etibarən başqa bir populyar əyləncə idi. Yaponiyada hazırlanan erkən kartlar Avropa dizaynına əsaslanırdı, lakin tezliklə Yapon motivləri ilə tamamlandı, hətta əvəz edildi. Vaxt keçdikcə “one ” və “ ən yüksək skorla Portuqaliyalıların adını aldıqları düşünülən məşhur Unsun göyərtəsi kimi müəyyən növ göyərtələr quruldu. ”

Yaponiyada heç bir oyun imtahanı, əyləncə məkanlarının dünyasına baxmadan tamamlanmayacaq və sərgi bu populyar mövzuda olan əsərlərə bir hissə həsr edir. Edo dövrünün “Həzz Evi ” rəsmlərinin bir çoxu nəzakətçilərin yaşadıqları və çalışdıqları bina birləşmələrini ətraflı şəkildə təsvir edir və müştərilərini musiqi, kart oyunları və digər əyləncələrlə əyləndirdiyini göstərir. Ancaq, 17. əsrin cüt qatlanan ekranlarında, "Qadınların Əyləncələri"#8221, qadınların tək qaldıqları və öz istirahət formalarından ləzzət ala bildikləri və ayaqlarını bir növ su yolu ilə soyuduqları zaman bizdən ayrılmazdır. həyət və hətta bir -birini qucaqlayaraq, yaxınlıq ticarətinin arxasında əsl sevgiyə işarə edir.

“Styles of Play ”, həmçinin müxtəlif açıq havada olan işlərə nəzər salır və oxatma, at yarışları, küçələrdə rəqs edən insanlar və əlbəttə ki, matsuri (festivallar).

Shijo, Kyoto sahillərində sahillər boyunca ” 17. əsrdə qatlanan ekranlar, insanların musiqi və rəqs çıxışlarından zövq aldığını göstərir. Bu gün insanlar əylənməkdənsə, təyin olunmuş əhəmiyyətli bir mədəni sərvət olan bu əsərdə təsvir edilən Kamo çayının sahilində yeyib -içirlər, ancaq orada sərinləmək və yay axşamlarını dadmaq adəti davam edir.

“Oyun Stilləri: Suntory İncəsənət Muzeyində İncəsənətdə Merrymaking Tarixi ” 18 Avqusta qədər & 1651,300 -ə qədər davam edir. Daha çox məlumat üçün www.suntory.com/sma saytına daxil olun.

Həm dezinformasiyanın, həm də çox məlumatın olduğu bir vaxtda keyfiyyətli jurnalistika hər zamankindən daha vacibdir.
Abunə olaraq, hekayəni düzgün şəkildə öyrənməyimizə kömək edə bilərsiniz.


Videoya baxın: Savaçı dizisi Azerbaycan Suriya Türkman Eli Irak Doğu Türkistan Sahneleri


Şərhlər:

  1. Thibaud

    Əlbəttə. Yuxarıda göstərilənlərin hamısına abunə oldum. Bu mövzuda ünsiyyət qura bilərik.

  2. Bredon

    Yaxşı, fikrinizlə razılaşacağam



Mesaj yazmaq